VON DER FUGE IN ROT BIS ZUR ZWITSCHERMACHINE. PAUL KLEE UND DIE MUSIK

Als Kunsttheoretiker und Pädagoge am Weimarer Bauhaus ließ sich Klee von Musik inspirieren, insbesondere von Johann Sebastian Bach. Hier wird sofort klar, welche Parameter ihn interessierten: Form und Proportionen, genauer Zahlenverhältnisse, also Abstrakta. Klee selbst wiederum diente als Inspirationsquelle und explizit als indirekter Lehrer für eine ganze Generation von Komponisten, die sich der abstrakten Kunst und der seriellen Musik verschrieben, genauer: formalen Aspekten, also wiederum Proportionen und Zahlen. Stockhausen wirkte als Vermittler von Klees Denken zu Pierre Boulez. Mit seiner musikästhetischen Schrift Le pays fertile wurde Boulez zum Multiplikator für zahlreiche Komponisten, die sich ebenfalls auf einer abstrakten Ebene oder assoziativ von bestimmten Titeln, Zeichnungen oder auffälligen Wendungen anregen ließen. Das vieldiskutierte Bild Fuge in Rot, das den Bezug zur Musik bereits im Titel trägt, wurde von Paul Klee zu Recht als ein Werk der »Sonder-Klasse« deklariert. Wolfgang Kersten beleuchtet die Rezeption des Bildes in Kunst- wie Musikwissenschaft, kontextualisiert Klees Verhältnis von Musik und Malerei, zeigt Referenzen zu Bach, zur eigenen Formenlehre wie auch zu Farbtheorien des 19. Jahrhunderts und untersucht die lasierende Aquarelltechnik als Geheimnis durchsichtiger Farben. Fuge in Rot wurde auch von Pierre Boulez als Schlüsselbild erachtet. Die beiden Komponisten Bach und Boulez bilden denn auch die musikalische Klammer dieses Bandes. Verbindungen von Kunst und Musik werden für die erste Hälfte des 20. Jahrhunderts zumeist anhand von Kategorien wie Zeitlichkeit, Immaterialität, Polyphonie und Rhythmik beschrieben. Linn Burchert unternimmt es, auch auf tieferen Ebenen Gemeinsamkeiten der beiden Künste festzustellen, insbesondere bei Gestaltungsgesetzen und Wirkungsmächten beider Medien. Studiert man parallel die Schriften von Paul Klee und dem Berner Musikpsychologen Ernst Kurth, fallen die gemeinsamen Metaphern des Atmens, der Luft und der Lebensenergie auf, die auf Werke der bildenden Kunst wie der Musik übertragbar sind. Mit kreationstechnischen, kompositorischen, semantischen und materialtechnischen Untersuchungen erfasst Osamu Okuda das Bild Glas-Fassade als Erinnerungs- und Projektionsraum. Enge Beziehungen finden sich zu Alban Bergs Violinkonzert. Diese konstituieren sich nämlich auf der Bildrückseite: die Recto-Komposition Mädchen stirbt und wird verweist auf den frühen Tod von Alma Mahlers und Walter Gropius’ Tochter Manon, der wiederum in Alban Bergs Werk thematisiert ist, das seinerseits am Schluss auf Bachs Choral »Es ist genug« rekurriert. Christian Berger spürt Klees Lust an Form und Zahlenverhältnissen nach. Aus der Gegenüberstellung einer Bach-Analyse und Paul Klees Skizze zum gleichen Satz in den aus seinen Vorlesungen »Elementare Gestaltungslehre« hervorgegangenen Beiträgen zur bildnerischen Formlehre ergeben sich weitreichende Konsequenzen zur Einbindung der von Kant postulierten ›ästhetischen Idee‹ in die musikalische wie bildnerische Werkbetrachtung. Roland Moser macht Klees Bauhaus-Vorträge der Formlehre für die musikalische Komposition fruchtbar, indem er Klees Analyse des Sonatensatzes von Bach in einem Close Reading von dessen eigenen Begriffen herleitet: Punkt und dessen Dynamisierung zur Linie, Konvergenz und Divergenz, Gewicht, Raum-Perspektive und strukturale Rhythmen. Gleichzeitig bezieht Moser diese frei weiter assoziierend auf die Bedeutung für zeitgenössische Musik von Stravinskij bis Stockhausen. Letzterer wiederum bezeichnete Klee als seinen wichtigsten Kompositionslehrer, als er dessen Bauhaus-Notizbücher Das Bildnerische Denken Pierre Boulez schenkte. Pierre Boulez wiederum entdeckte Paul Klee rein zufällig beim Besuch einer Ausstellung im Umkreis des ersten Festival d’Avignon 1947. Seither sollten die Malerei Klees und später auch sein Denken ein wesentlicher Bezugspunkt für Boulez’ eigene Poetik und sein Komponieren bleiben. Ulrich Mosch rekonstruiert die zentralen Motive von Boulez’ Klee-Bild und liest die Äußerungen des Komponisten zu Klees Malerei und Denken als Quellen einer impliziten kompositorischen Poetik. Boulez’ Initialzündung durch die genannte Ausstellung kann hier dank ihrer Reproduktion erstmals nachvollzogen werden. In Bezug auf Klees Zwitschermaschine äußerte Boulez trotz aller eigenen kompositorischen Versuche zu Klees Werken Skepsis gegenüber einer klanglichen Realisierung dieses Bilds. Die Verlockung, sich kompositorisch mit Klees Werk auseinanderzusetzen, bleibt aber ungebrochen inspirierend – ebenso die Auseinandersetzung mit diesen Kompositionen. So vergleicht Jim Dickinson Klees Zwitschermaschine und damit zusammenhängende Vorlesungsnotizen mit Harrison Birtwistles Carmen Arcadiae Mechanicae Perpetuum unter Einbezug von Birtwistles Kompositionsskizzen und zeigt, wie Klees Konzept von verzerrten Raum-Zeit-Wahrnehmungen zu polytemporalen musikalischen Strukturen geführt hat