Programa de mano - Santiago Acosta, flauta (Colombia)

Foto: Gracia Milena Quintero Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2022 SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES SANTIAGO ACOSTA (Colombia) flauta Jueves 25 de agosto de 2022 · 6:30 p.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango PULEP: OMG317 TOME NOTA Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto este ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Un ambiente silencioso es propicio para disfrutar la música. Durante el transcurso del concierto, por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares y alarmas de reloj. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. Los artistas interesados en presentar una propuesta de concierto pueden visitar el enlace www.banrepcultural.org/servicios/como-presentar-su-propuesta-artistica en el que encontrarán información pormenorizada acerca de este proceso. Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese a www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a las listas de correo de su preferencia. 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Durante su carrera ha sido ganador y finalista de concursos de flauta, nacionales e internacionales, tales como el Concurso Internacional de Flauta Traversa en Tocancipá y Sopó en la categoría Juvenil e Infantil (2016 y 2017), el Festival Regional de Flauta del Suroccidente Colombiano (2017), Jóvenes Solistas de la Orquesta Filarmónica de Cali (2019), la Dutch International Flute Competition en Itterwoort, Holanda (2021) y la Serie de los Jóvenes Intérpretes del Banco de la República 2021. Además, ha participado en diversos festivales de música en Colombia, Costa Rica, Estados Unidos, Italia y Alemania tales como el Festival Internacional de Flauta en Tocancipá y Sopó (2016), The Midwest Clinic (2017), Flautissimo (2019) y Weimarer Meisterkurse (2021). Gracias a su excelente desempeño como estudiante a lo largo de su carrera, recibió clases magistrales con renombrados miembros de la escena flautística internacional como Emmanuel Pahud, Wally Hase, Andrea Oliva, Marco Granados, Gaspar Hoyos, Michel Bellavance, Krzysztof Maciej Kaczka, Mary Karen Clardy, Gabriel Ahumada y Mario Caroli. Ha ofrecido conciertos en Bogotá, Chía, Tocancipá, Cali, Pescara y Weimar en diversos escenarios tales como Die Weimarhalle, Festsaal der Hochschule für Musik Franz Liszt, Saal am Palais, el Teatro Colón en Bogotá y la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango. Actualmente es miembro de la Orquesta Filarmónica Joven de Colombia al igual que de distintos grupos de música de cámara (quinteto de vientos, cuarteto de flautas, dúo de flauta y guitarra, entre otros) y es estudiante activo de pregrado en la Hochschule für Musik Franz Liszt en Weimar desde 2020 en la clase de la reconocida flautista húngara Anna Garzuly-Wahlgren. En este concierto, Santiago actuará junto con el pianista Diego Alexander Claros López. 2 PROGRAMA Grande fantaisie sur Mignon (1876) PAUL TAFFANEL (1844-1908) Para flauta y piano East Wind (1987) SHULAMIT RAN (n. 1949) Para flauta sola Sonata para flauta y piano (1956-1957) Allegro malinconico Cantinela Presto giocoso FRANCIS POULENC (1899-1963) INTERMEDIO Adiós a Bogotá (1920) LUIS ANTONIO CALVO (1882-1945) Original para piano Arreglo para flauta y piano de Sergio Acosta (n. 2002) Sonata en re mayor para flauta y piano, Op. 94 (1943) Moderato Scherzo: Presto Andante Allegro con brio SERGEI PROKOFIEV (1891-1953) 3 NOTAS AL PROGRAMA Por Guillermo Gaviria La flauta, uno de los instrumentos musicales más antiguos, tiene un origen que investigaciones de antropólogos y paleontólogos sitúan en la flauta neandertal, descubierta en la cueva Divje Babe, cerca de Cerkno, Eslovenia, con posibilidad de tener cerca de 50.000 años de existencia: Parece que nuestros antepasados de Cro-Magnon y Neanderthal eran tan aficionados a la música como nosotros. El descubrimiento de flautas prehistóricas hechas de hueso de animal en Francia y Eslovenia, con una antigüedad de entre 4.000 y 53.000 años, demuestra que las civilizaciones antiguas dedicaron tiempo y habilidades considerables a la construcción de instrumentos musicales (Gray et al., 2001, pp. 52-54). La siguiente evocación literaria nos sugiere su origen y función: Al atardecer, a la luz del fuego en sus cuevas y refugios rocosos, los neandertales a veces se relajaban al son de la música después de un duro día de caza. Tomando el material que tenían a mano, el fémur de un oso de las cavernas, crearon una flauta. Con un instrumento tan simple, estos neandertales fornidos y de cejas pobladas, parientes cercanos extintos de los humanos, pueden haber dado expresión a los miedos, anhelos y alegrías de sus vidas prehistóricas (Wilford, 1966). En las culturas primitivas la flauta jugaba un papel muy importante en el ámbito de la magia, y estaba ligada al más allá y al mundo de los espíritus. El instrumento, generalmente aparece interpretado por dioses o simboliza la voz de un dios: los antiguos egipcios, por ejemplo, creían que la voz de Isis, la madre de los dioses, se manifestaba en las notas prolongadas de la flauta. Quizás, el mito más conocido relacionado con la flauta es el de la historia de Pan en la mitología griega, quien, en circunstancias trágicas inventó el instrumento que lleva su nombre: la flauta de Pan. La encantadora ninfa Syrinx huía de la persecución de Pan, el dios de los pastores y los rebaños, y fue salvada por dioses bondadosos que la transformaron en cañas. Pan, suspirando por su amor perdido, ató varias cañas y en ellas Pan lanzó un soplo de viento para poder escuchar una vez más la dulce voz de Syrinx. La flauta de concierto actual es la llamada flauta transversal, traversa o travesera, a diferencia de las flautas que se soplaban por los extremos de los griegos y la flauta dulce, o flauta de pico moderna. La primera evidencia de su empleo en Europa proviene de iconografías etruscas de los siglos iv al i a. C. Los romanos también conocían las flautas de soplado lateral. La flauta travesa 4 moderna es resultado de una larga evolución, con múltiples cambios, que tuvo su momento clave cuando en 1830 el flautista de la orquesta de la corte de Múnich, Theobald Boehm (1794-1881), comenzó a desarrollar un concepto nuevo y completo en su construcción, buscando, entre otros aspectos, lograr un sonido más potente. En 1832, Boehm construyó una flauta con orificios tonales que, por primera vez, se dispusieron de acuerdo con criterios acústicos más que con la facilidad de digitación; estos criterios se basaron en sus propios cálculos y experimentos aritméticos. Además, creó un mecanismo para las llaves completamente nuevo, uniéndolas por medio de ejes móviles. El mecanismo requirió una nueva digitación, que resultó ser menos complicada que las digitaciones anteriores. En 1847, Boehm presentó una flauta mejorada con tubos cilíndricos y una cabeza cónica parabólica, una revolución en la fabricación de instrumentos de la época. La flauta Boehm fue recibida con entusiasmo en Francia, Inglaterra y Estados Unidos, y su mecanismo es el que se usa actualmente, con modificaciones y mejoras menores introducidas durante los siglos xix y xx. Las obras del programa de hoy fueron compuestas después de la aparición del mecanismo Boehm. Son obras que hacen parte del repertorio fundamental de la flauta y que han resonado en la Sala de conciertos varias veces desde su inauguración en 1966. Santiago Acosta, su intérprete, al responder por las razones para la escogencia del programa expresó: La variedad en los estilos de las obras para interiorizar y practicar la flexibilidad en el cambio, una habilidad sumamente importante que quiero seguir desarrollando y, por supuesto, también para proponer un programa variado para el oyente […] Entré en contacto con cada obra de distintas maneras. Algunas de ellas, empecé a estudiarlas con mis maestros, otras han venido apareciendo en el camino por requerimiento para un concurso o un concierto en específico o, finalmente, por puro gusto. […] Además, las piezas que interpretaré en el concierto son de mis obras favoritas del repertorio para flauta (Acosta, 2022). Se inicia el programa con Grande fantaisie sur Mignon, de Claude Paul Taffanel (1844-1908), flautista, compositor y director de orquesta francés, fundador de la moderna escuela francesa de flauta que ha sido ampliamente reconocida y adoptada en todo el mundo. Estudió en el Conservatorio de París con Louis Dorus, quien introdujo allí la nueva flauta de Boehm. Durante los siguientes treinta años, desarrolló una carrera destacadísima como solista y como músico orquestal en la Société des Concerts del Conservatorio y la Ópera de París. «Fue pionero en una nueva expresividad de tono y de 5 sensibilidad musical que demostró que la flauta era capaz de profundidad emocional» (Blakeman, 2001). Taffanel compuso cinco fantasías sobre temas de óperas entre 1874 y 1884, un tipo de composición muy popular en el siglo xix, porque permitía al intérprete desplegar sus habilidades virtuosas. Taffanel, además de tomar los temas originales de las óperas, adicionaba sus propias ideas que combinaban muy bien con la atmósfera general de la obra. Grande fantaisie sur Mignon, Opéra comique d’Ambroise Thomas, es la primera obra publicada de Taffanel y la dedicó a su maestro Louis Dorus. La obra se inicia de la misma manera que las otras cuatro fantasías: una introducción establece la atmósfera musical que conduce a una breve cadencia de la flauta, luego sigue una serie de temas de la ópera, adornados con variaciones que recorren toda la gama de emociones y matices. El éxito de la Grande fantaisie sur Mignon fue tal que, por ejemplo, durante 1984 se realizaron más de mil interpretaciones. La compositora Shulamit Ran (n. 1949) es profesora distinguida en el departamento de música de University of Chicago. Comenzó a componer canciones con poesía hebrea a la edad de siete años en su Israel natal. A los nueve años ya estaba estudiando composición y piano con algunos de los músicos más destacados de Israel, incluidos los compositores Alexander U. Boskovich y Paul Ben-Haim; pocos años después, sus primeros trabajos estaban siendo interpretados por músicos profesionales y orquestas. Continuó sus estudios de piano y composición en Estados Unidos, becada por el Mannes College of Music de Nueva York y la America Israel Cultural Foundation, con Nadia Reisenberg y Norman Dello Joio, respectivamente. Se incorporó a la University of Chicago en 1973, donde conoció al compositor Ralph Shapey, un importante maestro y mentor, con quien estudió en 1977. Amanda Cook, flautista, educadora, editora, escritora y crítica musical, comenta sobre el título y algunas de las particularidades técnicas de East Wind (Viento del Este): Tanto el Viento del Este de Ran como el ‘Viento del Este’ bíblico implican esta yuxtaposición de tragedia y contenido épico. En la Biblia, el Viento del Este aparece por primera vez en el Libro del Génesis como el tema del sueño premonitorio del faraón. En el Libro del Éxodo, esta premonición se realiza cuando el poderoso Viento del Este trae la plaga de langostas y abre el Mar Rojo. East Wind explota todo el rango de la flauta, emplea técnicas extendidas como pitch bends, clics de llaves y la articulación de percusión spit tongue, y contiene ritmos complejos, sin compás, con melodías angulares que llevan las capacidades técnicas del ejecutante al límite (Cook, 2015). 6 Comisionada por la National Flute Association, East Wind está dedicada in memoriam a Karen Monson (1945-1988), escritora y crítica musical. En las notas acerca de la interpretación, Ran concluye con las siguientes recomendaciones: «Se sugiere que la pieza se aprenda inicialmente siguiendo cuidadosamente la notación rítmica y de todo tipo. Una vez aprendida, sin embargo, una dosis considerable de libertad, temporal y gestual puede introducirse, siempre orientada por un sentido de la fantasía» (Ran, 1988, p. 6). Luis Antonio Calvo (1882-1945) nació en Gámbita, Santander, donde vivió sus primeros años. Luego, su vida juvenil transcurrió en la ciudad de Tunja, y posteriormente, a los 22 años se trasladó a Bogotá donde permaneció hasta 1916, cuando circunstancias aciagas —fue diagnosticado con lepra— lo obligaron a trasladarse a Agua de Dios, en donde residió hasta su muerte en 1945. La danza Adiós a Bogotá, original para piano, fue compuesta como un gesto de agradecimiento a la ciudad. Su partida es evocada en el siguiente fragmento: El 11 de mayo y en horas de la mañana, las mujeres bogotanas adornaron con ornamentos florales uno de los vagones del tren, que salía en ese entonces desde la estación de la Sabana en Bogotá rumbo a Tocaima. El vagón estaba destinado para el maestro Calvo y la comitiva que lo acompañaba. Cuenta el historiador Roberto Velandia, que el compositor no pudo retener las lágrimas ante el cumplido tan inesperado y que, antes de marcharse, entregó a su amigo Humberto Correal un papel que contenía las notas de “Adiós a Bogotá”, melodía que había compuesto para retribuir las atenciones que, durante casi 13 años, había tenido la ciudad con él (Cardona, 2013, p.1). Calvo es considerado uno de los músicos paradigmáticos de nuestra nacionalidad. Ellie Anne Duque, musicóloga de las universidades de Indiana (Bloomington) y de California (UCLA), y una de las investigadoras de la obra de Calvo, afirma: «las piezas para piano de Calvo no son descriptivas, sino evocadoras. No hablan de eventos, sino de sentimientos, y de la manera más directa» (Duque, 1999, p. 20). El compositor y pianista Francis Poulenc (1899-1963) hizo parte del grupo de jóvenes músicos franceses conocidos en la década de 1920 como Les Six, influenciados por Erik Satie y Jean Cocteau. Su Sonata para flauta y piano, una obra relativamente tardía, fue escrita entre diciembre de 1956 y marzo de 1957 en respuesta a un encargo de la Fundación Elizabeth Sprague Coolidge y dedicada a la memoria de la señora Coolidge. La primera interpretación fue realizada en el Festival de Estrasburgo en junio de 1957 por el flautista Jean-Pierre Rampal y el compositor, y se convertiría en una de las obras más populares de Poulenc. Rampal colaboró con Poulenc en la composición de la 7 sonata y decía, como un cumplido al compositor, que «la sonata podría haber sido escrita por un flautista» (Caré, s. f., p. 38). En un estudio muy detallado sobre la música de cámara de Poulenc, Claude Caré subraya los aspectos principales de cada uno de los movimientos: En el primero, Allegretto malincolico, vemos a Poulenc volver poco a poco, probablemente ya con nostalgia, de los encantos de la densa vocalidad de los Dialogues des carmélites […] a la relativa transparencia de una escritura más íntima, en equilibrio con los recursos de continuidad, ruptura, oposición, reiteraciones… El trabajo propio de composición consiste aquí en consolidar un abundante material de borrador en una forma original, donde los efectos de oposición entre el tema dominante y los elementos secundarios dan suficiente relieve sin por ello crear tensión. Esto es característico de una sonata allegro preclásica […] La Cantilena aparentemente abre de par en par las compuertas de un canto frenético, de una ‘melodía infinita’, pero rápidamente comprendemos que esa fluidez tampoco está del todo ‘dada’: la inspiración está ahí, sensible, visible, pero la forma final es el resultado de un espartano trabajo de economía de medios […] Los procesos de escritura del Presto giocoso final son más visibles. Es un trabajo artesanal de repartir la materia entre todos los elementos que contribuyen a su energía vital. ¡Poulenc se relaja jugando con su mecano! (Caré, s. f., pp. 40-41). Serguei Prokofiev (1891-1953) es uno de los compositores rusos más destacados del siglo xx, reconocido por sus innovaciones en la armonía que dan vida a las estructuras clásicas que incorporó. Su Sonata en re mayor para flauta y piano, Op. 94 ofrece un buen ejemplo de su estilo compositivo y resalta la calidad de la expresión y las posibilidades técnicas del instrumento. Prokofiev recuerda en su autobiografía que, entre 1942 y 1943, al mismo tiempo que trabajaba en la orquestación de la cantata Balada para un joven desconocido, «(…) escribí una sonata para flauta y piano en cuatro partes. Hacía tiempo que quería escribir música para la flauta, un instrumento que siento que ha sido inmerecidamente olvidado. Quería escribir una sonata en un estilo clásico, delicado y fluido» (Prokofiev, 2000, p. 131). El crítico musical y profesor universitario Hernando Caro Mendoza (1927- 2004)1 escribió hace cerca de cuarenta años para un recital en la Sala, el siguiente texto sobre la sonata, que transcribo como homenaje a uno de los pocos críticos musicales que han ejercido en nuestro país. Caro señala el espíritu de la obra, que plasma el anhelo del compositor por el triunfo 1 Hernando Caro Mendoza, a quien sus amigos llamaban ‘Bodoque’, fue un reconocido periodista cultural, musicólogo y académico bogotano, con profundo conocimiento de la música clásica, en general, y de la música francesa, en particular. Fundador y director del grupo Música Antigua de Bogotá, con repertorio dedicado a música de la Edad Media, el Renacimiento y el Barroco. 8 de los aliados sobre el nazismo y reflejos humorísticos y sarcásticos de la personalidad del compositor: En esta partitura el compositor muestra ya la esperanza de la victoria final de su país y sus aliados en la contienda. El primer movimiento, Moderato, presenta dos temas más complementarios que contrastantes, en un clima luminoso y alegre. El segundo, Scherzo-presto, combina ritmos de dos y tres tiempos que sugieren aires populares, por una parte y algún vals, algo paródico, por la otra. Le sigue un Andante más bien lírico con un trío o sección central ágil y gracioso. El último tiempo es un Allegro con brio, lleno de contrastes, con pasajes de alto virtuosismo en los dos instrumentos y otros humorísticos, como una caricatura de una marcha militar, típicos de la vena satírica del maestro ruso (Caro, 1994). Como podemos observar, Caro capta muy bien el espíritu de la obra, que plasma el anhelo del compositor por el triunfo de los aliados sobre el nazismo, y subraya los reflejos humorísticos y sarcásticos de la personalidad del compositor. Referencias Acosta, S. (2022). Recital Banco de la República. Recibido por Guillermo Gaviria. 19 de junio de 2022. Entrevista por correo electrónico. Blakeman, E. (2001). Taffanel, (Claude) Paul. Grove Music Online. 25 de junio de 2022, https://www.oxfordmusiconline.com Cardona, F. (2013). Luis A. Calvo, el músico que trina en la Ciudad del Dolor. A Contratiempo: revista de música en la cultura, (21), 6. Caré, C. (s. f.). La musique de chambre de Francis Poulenc. Francis Poulenc – musician francais 1899-1963. https://poulenc.fr/ Caro, H. (1994). Gabriel Ahumada-Mika Mory. Notas al programa. Serie Internacional. Banco de la República, Biblioteca Luis Ángel Arango, Sala de Conciertos. Cook, A. (2015). Ran: East Wind Program Notes. Between the Ledger Lines: A blog for the modern flutist. https://betweentheledgerlines.wordpress.com/ Duque, E. A. (1999). Luis A Calvo; paradigma de la música para piano en Colombia. Credencial Historia, 120, 2001-2002. Gray, P. M., Krause, B., Atema, J., Payne, R., Krumhansl, C., y Baptista, L. (2001). The music of nature and the nature of music. Science. 9 Prokofiev, S., y Shlifstein, S. (2000). Sergei Prokofiev: Autobiography, Articles, Reminiscences. The Minerva Group, Inc. Ran, S. (1988). East wind: for solo flute. T. Presser. Wilford, J. N. (1996). Playing of flute may have graced Neanderthal fire. New York Times, 24, 1-7. Guillermo Gaviria. Educador y compositor. Es Profesor Emérito de la Pontificia Universidad Javeriana, con la que inició su vinculación como director del Coro Javeriano en 1980. A partir de entonces su trabajo como profesor y su gestión académica dieron impulso a la creación del Departamento de Música en 1990, de la Carrera de Estudios Musicales en 1991 y de la Facultad de Artes en 1995. Ha colaborado con el Banco de la Repúbli