Programa de mano - Pablo Molano, piano (Colombia)

Foto: Adriana Fernández Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2022 SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES PABLO MOLANO (Colombia) piano Jueves 1° de septiembre de 2022 · 6:30 p.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango PULEP: NFA321 TOME NOTA Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto este ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Un ambiente silencioso es propicio para disfrutar la música. Durante el transcurso del concierto, por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares y alarmas de reloj. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. Los artistas interesados en presentar una propuesta de concierto pueden visitar el enlace www.banrepcultural.org/servicios/como-presentar-su-propuesta-artistica en el que encontrarán información pormenorizada acerca de este proceso. Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese a www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a las listas de correo de su preferencia. Para remitir al Banco de la República sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción, puede ingresar al siguiente enlace www.banrep.gov.co/atencion-ciudadano o acercarse a los puntos de atención dispuestos para esto en las diferentes oficinas del Banco de la República a nivel nacional. SÍGANOS EN Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango 1 LA NUEVA CARA DE LA SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES ¿Cómo apoyar la carrera de los músicos emergentes en Colombia? ¿Qué hacer para que nuestros jóvenes conozcan, disfruten y entren en contacto directo con el arte de vanguardia, y puedan estar al mismo nivel? Seguramente estas fueron algunas de las preguntas que se hizo el Banco de la República previo a la creación de uno de sus más importantes programas a nivel nacional, la Serie de los Jóvenes Intérpretes. Esta convocatoria anual, vigente desde 1985, ha ofrecido a los intérpretes colombianos, de manera ininterrumpida, un espacio para mostrar y desarrollar sus habilidades artísticas. Durante más de tres décadas, este programa ha sido la ventana de una gran cantidad de músicos que hoy siguen triunfando en escenarios nacionales e internacionales. La Serie de los Jóvenes Intérpretes resulta ser para muchos la primera experiencia en un escenario profesional, en el cual se enfrentan a un público conocedor y crítico que valora en alta medida su talento. A partir de 2021 la convocatoria tuvo cambios significativos con el propósito de mantener una relación más prolongada en el tiempo entre el Banco y los músicos seleccionados, así como fortalecer sus competencias interpretativas y ampliar las posibilidades de circulación de estos. Los seleccionados tienen la oportunidad de permanecer hasta cuatro años en el programa, cada año participando en diferentes espacios y como parte de diferentes franjas de la programación musical del Banco. Al final de cada año se hace una evaluación de los artistas seleccionados para determinar quiénes pueden avanzar a la siguiente fase del programa. En 2022 se presenta la primera cohorte de jóvenes que hacen parte de este nuevo formato, actuando veintitrés músicos en la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango en Bogotá, y dieciséis en las diferentes ciudades en las que el Banco de la República tiene presencia. Este año contaremos con un amplio abanico de solistas y agrupaciones, así como un repertorio variado que abarca desde música académica, hasta el jazz y las músicas tradicionales colombianas. Los invitamos a continuar disfrutando de la música en vivo y ser testigos del desarrollo del talento joven colombiano que hace parte de la programación de la Temporada Nacional de Conciertos. Sección de Música Subgerencia Cultural Banco de la República 2 ACERCA DEL INTÉRPRETE Pablo Molano, piano El joven pianista colombiano ha cautivado audiencias en los Estados Unidos, Europa y Sur América. Inició su educación musical en Bogotá a muy temprana edad y, a los ocho años, se radicó en Estados Unidos. Actualmente es estudiante becado con la Eugene Istomin Scholarship en Manhattan School of Music bajo la tutela de Olga Kern. Entre sus presentaciones destacadas están sus recitales en la sala del Museo Nacional de Colombia, en Bogotá (2017); el Tateuchi Hall en Mountain View y en el San Francisco Flower Piano Festival (2019). Fue ganador del primer premio en el III Concurso Internacional de Música de Ginebra y, como tal, fue invitado al festival Uniti Nella Musica en Roma. Estando allí participó en el International Piano Competition de AC Melos y ganó el primer lugar. Igualmente, fue finalista del NPR’s From the Top. Haciendo música de cámara fue ganador de la Santa Cruz Chamber Music Competition en California (2020) interpretando el Quinteto de César Franck. Ha participado en festivales prestigiosos como el Miami International Piano Festival Academy y fue aceptado en el Aspen Music Festival. Pablo ha tocado para maestros como Jorge Luis Prats, Ilya Itin, Boris Slutsky, Solomon Mikowsky, Matti Raekallio, Robert McDonald y Meng-Chieh Liu. La mayor parte de su preparación musical la desarrolló en el colegio Valley Christian High School en San José, California, en donde fue finalista del concurso de becarios (2017 y 2018) y ganó el segundo lugar de la Piano Honors Competition (2019). Como estudiante becado de esa institución hizo parte de numerosas producciones y conciertos musicales en San José. Al mismo tiempo fue becado por tres años consecutivos en el programa de música preuniversitario del Conservatorio de San Francisco como alumno de Erna Gulabyan. Foto: Valley Christian School 3 PROGRAMA Gaspard de la nuit (1908) Ondine Le Gibet Scarbo MAURICE RAVEL (1875-1937) Variaciones en si bemol menor, Op. 3 (1901-1903) Tema. Andantino tranquillo e semplice Variación I: L’istesso tempo Variación II: Agitato Variación III: Andantino quasi tempo di Mazurka Variación IV: Con mosso Variación V: Lento dolce Variación VI: Scherzando, Vivace molto Variación VII: Allegro agitato e energico Variación VIII: Meno mosso. Mesto Variación IX: Tempo di valse. Grazioso Variación X: Andantino dolce Variación XI: Andantino dolce affettuoso Variación XII: Allegro con fuoco KAROL SZYMANOWSKI (1882-1937) INTERMEDIO Bambuco (1991) JULIO REYES COPELLO (n. 1969) Sonata No. 2 en si bemol menor (1913-rev. 1931) Allegro agitato Non allegro - Lento L’istesso tempo - Allegro molto SERGEI RACHMANINOV (1873-1843) 4 NOTAS AL PROGRAMA Por Ellie Anne Duque Ravel Oriundo del pueblo de Ciboure, ubicado en la región vasca, en la frontera entre Francia y España, Maurice Ravel (1875-1937) siempre se sintió cercano a su herencia cultural vasca y a las tradiciones españolas, ya que, a pesar de haber salido de Ciboure como infante de tres meses, su madre mantuvo vivo en la familia el gusto por lo español. Ravel encontró inspiración en la literatura de España y en sus aires musicales, no solo por inclinación afectiva, sino por hallar en ellos diversas alternativas sonoras que alimentaban sus tendencias modernistas en la composición. Estas referencias dieron pie a que buscara nuevas escalas y ritmos tanto en la música española como en aires orientales (Shérézade, Canciones de Madagascar, Dos melodías hebreas, Canción hebrea) y otras tradiciones europeas (Cinco melodías populares griegas, Tzigane). También buscó alternativas en piezas antiguas, como pavanas, pasacalles, minués y tombeaux, y se remontó a teorías modales provenientes del Medioevo para renovar sonoridades. Todo lo anterior lo llevó a trabajar dentro de formas clásicas tradicionales, a veces con evidentes bases en procesos teóricos conocidos, razón por la cual muchas de sus obras se clasifican dentro de las tendencias neoclásicas. Según el pianista Paul Crossley, la obra de Ravel tipifica las dos tendencias del pensamiento poético simbolista resumidas en los términos ‘decadente’ y ‘estético’. El primero de ellos esconde tras los símbolos el mundo de ideas y emociones internas del artista; el segundo sugiere, mediante la perfección de las formas y los procesos, un mundo ideal al cual se aspira. Miroirs, Gaspard de la nuit y el Concierto para la mano izquierda pertenecen al primer grupo, y sus obras restantes para piano, al segundo. El Menuet antique y Le tombeau de Couperin ofrecen rasgos característicos de la música francesa (de Chabrier el primero y de François Couperin el segundo) pero procesados por la mente perfeccionista de Ravel. El trabajo minucioso, primero al teclado y luego en el contexto sinfónico, caracterizó gran parte de la obra de este consumado pianista y trabajador incansable, dueño de una gran imaginación sonora. Ravel se guio estéticamente por las enseñanzas del poeta Mallarmé, quien definió el simbolismo como «el arte de evocar un objeto lentamente, para 5 develar su estado de ánimo o, al contrario, el arte de escoger un objeto y extraer de él, un estado de ánimo». La amalgama entre forma y contenido anímico en la obra de Ravel es evidente, de allí que su obra acuse rasgos neoclásicos por la perfección y claridad formal, y rasgos impresionistas debido a la sutileza de la expresión. Para Ravel era muy importante el dominio y la redefinición de las formas clásicas, y cuando se comprometía a escribir una de ellas, el ejercicio le resultaba supremamente exigente, pues debía moverse en estructuras antiguas con una mirada moderna. Esta dualidad se aprecia en sus piezas de cámara más destacadas: el Cuarteto en fa, las dos sonatas para violín y piano, la sonata para violín y chelo, y el Trío en la menor. Las últimas composiciones de Maurice Ravel fueron dos conciertos para piano y las tres canciones de Don Quijote a Dulcinea. En 1932, después de repetidos quebrantos de salud, sufrió un accidente de tránsito y se vio obligado a abandonar la composición, víctima de agudos desórdenes motrices y de memoria. Para entonces, Ravel era considerado uno de los mejores compositores para el piano y un auténtico representante de la genialidad artística francesa. En su obra se dieron cita la inspiración literaria y la musical en una amalgama de experimentación con nuevas armonías, fuerza descriptiva y apego a la tradición clásica. Para describir la obra de Ravel se ha recurrido a diversas asociaciones, relacionadas con el impresionismo de Debussy y el neoclasicismo de la primera mitad del siglo xx. Gaspard de la nuit es considerada una de las obras más difíciles para el piano. La intención de Ravel fue recrear el ambiente misterioso, fantasmagórico y a veces terrorífico evocado en tres poemas del autor Aloysius Bertrand (1807-1841), traduciendo el texto poético a un imbricado juego de escalas, arpegios, polirritmos, tonalidades y armonías vagas, y técnicas exclusivas para el piano. En Ondine, el primer movimiento, se presenta la princesa del agua, la seductiva Undine, en un juego de notas que imitan un mundo acuático, desde el oleaje hasta las salpicaduras, al tiempo que una melodía modal representa el llamado seductor que hace la princesa mítica al inalcanzable Gaspar. Tañe una campana al inicio de El patíbulo y su sonido acompaña a un cadáver colgado que se mece con el viento. Acordes ricos en diversas sonoridades y un sonido muy controlado son el medio musical que pinta la escena macabra. Las piruetas del endemoniado enano Scarbo encuentran en el piano de Ravel un acompañamiento rítmicamente incesante y armonías extravagantes con tics y trémolos nerviosos que recrean la escena grotesca. 6 Szymanowski Si bien la historia de Polonia en la primera mitad del siglo xx estuvo a merced de dos guerras mundiales y sus incontables consecuencias, la vida musical polaca siguió floreciendo y los compositores siguieron innovando, pese a las circunstancias más adversas. A comienzos del siglo pasado, el territorio polaco estaba dividido entre Alemania, Prusia y Rusia; y precisamente a partir de 1901 comenzó la actividad de la Orquesta Sinfónica de Varsovia y la del grupo Polonia Joven, liderado por Karol Szymanowski (1882-1937) y fundado con la intención de prestar atención a las obras de compositores polacos modernos. La independencia de Polonia, proclamada en 1918, al final de la Primera Guerra Mundial, motivó un movimiento musical nacionalista, pero hubo entre los compositores de entonces una preocupación manifiesta por evitar apuntes ‘típicos’. Szymanowski, presente en todos estos momentos históricos, jugó un papel determinante en la escena moderna de la música en Polonia. Llegó a ser conocido por sus sinfonías y conciertos de proporciones monumentales, ingeniosas búsquedas sonoras orquestales y discursos líricos de imaginativos arabescos cromáticos. En medio de la histórica influencia de la música alemana sobre la música polaca existió también una gran presencia francesa, pues el estilo impresionista, atribuido a Claude Debussy, permitió la inclusión fluida de la música tradicional en el lenguaje académico con un gran enriquecimiento en los marcos armónicos empleados. La invasión y ocupación nazi durante los años de la Segunda Guerra Mundial propinaron un duro golpe a la vida polaca, y la actividad cultural prácticamente cesó. Terminada la guerra, los músicos reaccionaron rápidamente para reactivar los conservatorios, las orquestas y las agrupaciones musicales. A partir de 1948, Polonia viró hacia el comunismo, y en medio del control oficialista sobre las expresiones musicales surgieron figuras destacadas como la de Bacewicz, Lutosławski, Panufnik, Baird y Serocki, convertidas en las herederas del grupo Polonia Joven y de los logros de Szymanowski. Entre 1882 y 1901 Szymanowski vivió en Ucrania, en donde su familia de ancestro polaco había permanecido en una de las antiguas divisiones territoriales de Polonia. A partir de 1901, con una educación musical adquirida en el hogar, se dirigió a Varsovia para dedicarse al estudio formal de la composición junto a Zygmunt Noskowski. En sus obras más tempranas se reconoce la influencia de Chopin y de Richard Strauss, pero prontamente sus obras se tiñeron de un colorido personal. Estudió de cerca las piezas de los alemanes de la escuela expresionista, pero también desarrolló un 7 lenguaje nacionalista basado en aires de danza y canción polacas, en un estilo intencionalmente alejado de lo que denominó ‘provincialismo’. Se inspiró en las culturas mediterráneas a través de sus viajes y también tuvo oportunidad de conocer los planteamientos de Debussy, Ravel y Stravinsky durante una larga permanencia en París. Sus obras más tempranas fueron unos preludios para piano al estilo de Chopin. Entre 1901 y 1903 concibió un conjunto de variaciones, las Op. 3, en si bemol menor, con un estilo más personal, si bien con un marco formal relativamente clásico que permite que en cada variación se reconozca la estructura del tema original. Las variaciones ofrecen grandes contrastes de estado de ánimo y texturas. Las hay brevísimas, apenas gestuales, de simplicidad coral, movimiento perpetuo virtuosístico, insinuaciones de mazurcas y valses… En cada caso, llama la atención el dominio del piano y la dificultad pianística de cada uno de los instantes de las Variaciones. Reyes Copello De la página web de Miami Art House1 reproducimos y adaptamos la siguiente información acerca de Julio Reyes Copello (n. 1969): Seis premios Grammy, un Grammy Latino, más de veinticinco nominaciones a premios, quince canciones en el top de Billboard, diez premios ASCAP son más que suficientes para mostrar el tremendo impacto que ha tenido Julio Reyes Copello sobre la industria de la música latina a lo largo de dos décadas. La habilidad del productor, pianista, orquestador y compositor para transformar el complejo espectro de las emociones humanas en melodías y canciones, le ha permitido trabajar de manera efectiva con todos los géneros y lenguajes musicales con notoria maestría, intensidad y gracia. Hace veinte años que el productor colombiano decidió mudarse a Miami y ha tenido la oportunidad de escribir, grabar, producir canciones y álbumes para reconocidos artistas de Europa y América, tales como Alejandro Sanz, Il Divo, Laura Pausini, Jennifer López, Nelly Furtado, Ricky Martin, Thalía, Paulina Rubio, Fonseca y Andrés Cepeda, entre muchos. Entre sus proyectos destacados se incluyen: la composición y realización de la banda sonora de la experiencia MARS 2030, la dirección de la Orquesta Sinfónica de Londres, la banda sonora para la serie de televisión Hawthorne, la producción y orquestación de la música para la visita del Papa Francisco a Colombia en 2017 y la composición de piezas para piano. 1 https://miamiart.house/epk/julio-reyes-copello/ 8 Estudió en la Pontificia Universidad Javeriana, en donde también enseñó. Recibió una beca para obtener una Maestría en Escritura y Producción para Medios en el Universidad de Miami en donde se graduó con honores. El productor Jorge Calandrelli lo escogió para realizar la orquestación de las canciones incluidas en la grabación Navidad en Viena (Our Favourite Things) que incluyó las voces de Plácido Domingo, Tony Bennet, Vanessa Williams, Charlotte Church y la Filarmónica de Viena. Desde entonces, comanda admiración y respeto en el medio y maneja una apretada agenda. En 2013 estableció su propio estudio de grabación —Miami Art House— que se convirtió no solo en su sitio de estudio, sino en el terreno de formación de algunos de los artistas más importantes de la región. Es también una sociedad creativa abierta en donde artistas, instrumentistas y compositores se reúnen para escribir, hacer arreglos y producir música nueva sin distingos de sexo, edad o etnicidad. Bambuco es una obra de unos cinco minutos de duración, que trabaja el entorno rítmico del bambuco, rico en síncopas y viveza. Una melodía abstracta de escalas, que evoca el contorno de algún bambuco cantado, navega por acordes y fórmulas rítmicas que se turnan el protagonismo de la pieza. La partitura resultante es un trozo muy sonoro pleno de contrastes. Hay un breve interludio que invita a calmar el ánimo y meditar sobre notas sueltas y armonías sencillas antes de volver al torbellino de actividad final en el que se destaca la escritura virtuosística para el instrumento. Rachmaninov Sergei Rachmaninov (1873-1843) desarrolló un virtuosismo pianístico sin precedentes durante sus años de estudio en el Conservatorio de Moscú, institución que ya había producido una pléyade de pianistas rusos. En 1891, a los 19 años y para su grado como pianista, presentó el Concierto para piano No. 1, y al año siguiente, para el grado de compositor, escribió el célebre Preludio en do sostenido menor. El resto de su vida profesional lo dedicó a combinar tres actividades: la de concertista, compositor y director orquestal. Con la Revolución Bolchevique de 1917, Rachmaninov salió de Rusia y vivió entre París y Lucerna hasta que, finalmente en 1939 y con motivo de la Segunda Guerra Mundial, emigró a los Estados Unidos. Con Rachmaninov y Scriabin el Romanticismo ruso del siglo xix alcanzó su máxima expresión y se desbordó en el siglo xx. Los dos fueron pianistas profesionales y alumnos de composición en el Conservatorio de Moscú bajo la tutela de Tanaiev y Arensky. Pese al éxito precoz, la carrera de Rachmaninov no avanzó al ritmo esperado. Sus tropiezos con la crítica desventajosa fueron causa de extensos períodos de estancamiento e incertidumbre. Tal fue el 9 caso del estreno de la Primera sinfonía en 1895, realizada bajo la dirección de Alexander Glazunov. Curiosamente, su estilo, excesivamente romántico, lo mantuvo al margen de las corrientes innovadoras del siglo xx, lo cual, en retrospectiva, resulta no ser un defecto, sino una prueba contundente de la validez del Romanticismo en el siglo xx. Su popularidad se ha mantenido primordialmente gracias a las obras para piano, cuyo virtuosismo y mensaje emotivo harán que siempre cuente con intérpretes y público. Rachmaninov se destacó siempre por ser un pianista rutilante y un compositor capaz de amalgamar un estilo profundamente romántico con las tendencias nacionalistas imperantes de fin de siglo, sin sacrificar la expresión de pensamientos musicales densos y elaborados. Pese a la enorme dificultad de su obra pianística, la interpretaba de manera sencilla, controlada y prácticamente estoica. Era admirado por la precisión de su técnica interpretativa, la exactitud rítmica, las frases magistralmente ligadas y la manera en que resaltaba las diversas texturas. Compuso seis óperas, cuatro conciertos para piano y orquesta, tres sinfonías, varios poemas sinfónicos y obras vocales y corales. El grueso de su obra está dedicado a las composiciones para piano. La segunda sonata para piano mezcla y soluciona inteligentemente problemas de estructura y contenido. Los temas principales, de gran presencia melódica, son sometidos a todo tipo de transformaciones anímicas, indicadas por los cambios de tempo. En las secciones más rápidas hace su prese