Programa de mano - Simón Vlásov, piano (Rusia)

Temporada Digital de Conciertos Banco de la República 2021 Banrepcultural (Cúcuta, Colombia) Banrepcultural Disponible durante un mes en Concierto digital No. 16 Estreno: miércoles 21 de julio · 6:00 p.m. SIMÓN VLÁSOV piano (Rusia) Foto: Oleg Turinsky RECORRIDOS POR LA MÚSICA DE CÁMARA TOME NOTA Para conectarse a los recitales que hacen parte de la Temporada Digital de Conciertos del Banco de la República 2021, siga el perfil de Facebook de la Sala de Conciertos y el canal de YouTube Banrepcultural. Recuerde: los conciertos estarán disponibles en estos canales durante un mes contado a partir de su fecha de estreno ¡Prográmese y no se los pierda! Aproveche este espacio para disfrutar la música desde de su casa. Solo o en familia, organice un espacio que le permita apreciar al máximo esta experiencia, prepare la tecnología que tenga a la mano para visualizar el concierto, revise los parlantes o auriculares, y escoja un rincón de su casa en el que se sienta cómodo para vivir el concierto. Al igual que un concierto en vivo, la experiencia de asistir a uno virtual será mejor aprovechada si se vale de un ambiente silencioso. Libérese de otras actividades, apague el teléfono, entréguese a la música y, ¡disfrute del momento! Aproveche que está en casa, prepárese antes del concierto una bebida, caliente o fría, y, si tiene frío o calor, no está mal usar una cobija o un ventilador. Asegúrese de tener a la mano los elementos que necesita o con los que se siente cómodo, evite las distracciones y entréguese a la experiencia. A lo largo de este programa de mano encontrará hipervínculos que le permitirán conocer más de cerca a los artistas, así como acceder más fácilmente a contenidos relacionados con el concierto o con la programación musical del Banco. Lo invitamos a navegar a través de estos enlaces. Respetemos juntos los derechos de autor de los compositores e intérpretes. Le agradecemos no grabar los conciertos, tanto la imagen de los artistas como la obra y su interpretación están sujetos a licencias y autorizaciones de emisión. Siga conectado a las la programación musical virtual que ofrece el Banco de la República. Ingrese a www.banrepcultural.org y entérese de las actividades programadas. Crecemos y mejoramos gracias a sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción. Para comunicarse con nosotros haga uso de los recursos virtuales de atención al ciudadano, puede ser a través del portal de servicio al ciudadano del Banco de la República o del correo electrónico atencionalciudadano@banrep.gov.co CONÉCTESE RODÉESE DE SILENCIO CONOZCA MÁS PROGRÁMESE OPINE PÓNGASE CÓMODO PROTEJA A LOS ARTISTAS PREPÁRESE 1 CONCIERTOS PARA EL RETORNO Una frase puede encapsular o resumir discursos, explicaciones o documentos completos; los empleados de una empresa o los integrantes de un equipo se identifican rápidamente con ella, miden todas sus acciones e iniciativas frente a esa sencilla pero exigente vara. ‘Construir sobre lo construido’ y ‘hacer público lo público’ son frases recurrentes en la subgerencia cultural del Banco de la República. Hace unos años en la sala de conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango acuñamos la frase ‘en el Banco de la República la música se escucha … ¡en vivo!’. Y, sin embargo, llegó 2020, con una pandemia que paralizó al mundo, y la música de la temporada de conciertos tuvo que dejar de sonar en vivo por la salud y el bienestar de todos. No obstante, tras meses de trabajo, acompañados de profundas reflexiones, la música de algunos jóvenes intérpretes, de artistas de diferentes partes del país, y de algunos invitados internacionales se presenta en el marco de una temporada digital de conciertos que ofrece el Banco de la República en 2021. Este tiempo, colmado de novedades y aprendizajes, ha servido para construir sobre lo construido, y seguir llevando a cabo la labor de hacer de la cultura un bien público. El Banco de la República ofrece para el segundo semestre de 2021 una serie de conciertos virtuales en la que actúan artistas nacionales e internacionales, grabados en diferentes partes del mundo exclusivamente para el Banco de la República, así como en la emblemática Sala de conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango, en Bogotá. Los conciertos estarán disponibles en el canal Banrepcultural de YouTube, así como en los diferentes perfiles de Facebook de las sucursales y agencias culturales del Banco, incluido el de la Sala de Conciertos Luis Ángel Arango. Los conciertos saldrán al aire los miércoles a las 6:00 p.m.. Entre los artistas que participarán en este segundo semestre de 2021, se destacan ensambles como el Cuarteto Zaïde, de Francia, y el Cuarteto Spektral, de Estados Unidos; el guitarrista colombiano Edwin Guevara; y los pianistas Simón Vlásov, de Rusia, y George Harliono, de Reino Unido. Adicionalmente, en pro de encontrar nuevas maneras de acercarnos a nuestro público y conquistar nuevas audiencias, el Banco de la República continúa publicando contenidos sobre música, como el pódcast La música se habla, en el cual seguiremos entrevistando a intérpretes, directores, compositores, gestores e investigadores que son parte esencial de la escena musical de nuestro país. El pódcast puede ser escuchado en Spotify, Apple Podcasts, Podbean, Deezer, Amazon Music y Google Podcasts. De igual 2 forma, continuaremos publicando una lista de reproducción semanal bajo el perfil Banrepcultural de Spotify. Desde 2020, por medio de este proyecto, hemos puesto a disposición del público interesantísimas selecciones de rock, música vocal y jazz, entre otros géneros, acompañadas de guías especializados que explican el sentido de cada selección. Tanto el pódcast como las listas de reproducción están en el minisitio La música se habla, en el portal cultural del Banco, en donde se pueden encontrar también diversidad de contenidos en formato de audio y video. El 2021 no está libre de ansiedades. A pesar de que la ciencia moderna ha producido múltiples vacunas contra el Covid-19 en tiempo récord, el reto de producirla y llevarla ágilmente a lo ancho y largo del planeta parece ser un escollo más a superar, así como sigue siendo un reto enfrentar nuevos picos de contagio y prevenir la propagación de nuevas variantes del virus. Y, por esa razón, por el bien de todos, seguramente la vida seguirá con restricciones, distancias y sin algunos de los placeres que nos hacen sentir vivos —como escuchar un concierto en vivo. Pero esto no es razón para olvidarnos de nuestro bienestar, de la posibilidad de soñar, de la capacidad de asombro, de la ternura o violencia de una frase musical, de la apoteosis de una composición que nos sacude por cómo suena y por lo que nos hace sentir. Hacen falta los abrazos, hacen falta las conversaciones alrededor de una mesa, hace falta compartir con desconocidos la calurosa sensación de escuchar a un ensamble en vivo. Pero, mientras tanto, tendremos que seguir aportando nuestro mejor esfuerzo, nuestra mayor paciencia y seguir encontrando maneras de sentirnos juntos, compartiendo historias, recomendándonos libros, películas, artículos de prensa, recetas y, desde luego, conciertos. Esperamos ser un aliento más en este esfuerzo y un refugio más para cuidarnos. El Banco de la República continúa ofreciendo recitales virtuales en el marco de una temporada inusual, a modo de un ritual de retorno que nos prepare para ese lento pero seguro reencuentro con la calle, el parque, los amigos y con la música en vivo, en nuestra Sala de Conciertos. Bienvenidos. @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Sala de Conciertos Luis Ángel Arango Síganos en 3 SOBRE EL INTÉRPRETE SIMÓN VLÁSOV, piano El pianista y compositor Simón Vlásov nació en la isla de Sajalín (Rusia). Su trayectoria ha sido reconocida en diferentes ámbitos: en 2013 ganó el Concurso Internacional de Piano Serguei Rachmaninov, fue galardonado en el Concurso Internacional de Piano Pietro Argento, recibió el premio Jóvenes Talentos de Rusia, del Ministerio de Cultura de ese país, participó en el Concurso Internacional Maria Yudina, en Rusia, y en el Concurso Internacional Temporada Rusa, entre otros. Obtuvo diploma summa cum laude en la Escuela Superior de Música de Sverdlovsk ‘Piotr Ilich Tchaikovsky’, se graduó con honores de la maestría y doctorado en piano del Conservatorio de Los Urales ‘Modést Mussrgsky’, con la pianista Nadezhda Atlas. Estudió con Valentina Lisitsa, Dmitri Bashkírov, Andréi Gavrílov, Mikhail Arkadiev, Alexander Sandler, Miguel Ángel Scebba, Atanas Kurtiev y Valery Shkarupa. Como solista, ha actuado con directores como Maxim Fedotov, Alexey Dorkin, Enkhbaatar Baatarzhavyn, Anton Shaburov, Leonid Shkarupa y Germán Céspedes. Ha realizado conciertos en la Federación Rusa, y en Colombia, Italia y Alemania. En 2020 inauguró como solista el Foto: Oleg Turinsky 4 XXXVII Festival Internacional de Piano de Bucaramanga - UIS. Dentro de sus producciones discográficas se encuentran Piano Works (2017) y Melodías del alma rusa y latinoamericana (2018). Su profundidad musical, brioso virtuosismo y expresividad son características que han acompañado su carrera, junto con la inclusión de un repertorio extenso y variado, dentro del cual se destaca su brillante interpretación de las composiciones tardías de Alexander Scriabin, así como sus transcripciones para piano del repertorio latinoamericano y soviético. Conozca más acerca del artista Simón Vlásov 5 Estudio No. 11, Op. 10 (1829-1832) Estudio No. 12, Op. 10 (1829-1832) Estudio No. 6, Op. 25 (1832-1836) Estudio No. 10, Op. 25 (1832-1836) FRÉDÉRIC CHOPIN (1810-1849) Vers la Flamme, Op. 72 (1914) Estudio No. 12, Op. 8 (1894) Estudio No. 5, Op. 42 (1903) Estudio No. 3, Op. 65 (1911-1912) ALEXANDER SCRIABIN (1871-1915) Rapsodia húngara No. 11, S. 244 (1847) Rapsodia húngara No. 12, S. 244 (1847) FRANZ LISZT (1811-1886) PROGRAMA 6 SOBRE EL PROGRAMA Por Ellie Anne Duque Chopin El virtuosismo, tema recurrente en la interpretación de los instrumentos musicales, se convirtió en uno de los aspectos más importantes de la ejecución en público del repertorio del siglo XIX. Durante muchos años, el aprendizaje de un instrumento musical se realizaba mediante un repertorio adecuado y escalonado según las capacidades del alumno, con buenas dosis de repeticiones de escalas y arpegios en todas las tonalidades, y, en la mayoría de los casos, el estudio de un instrumento complementaba la formación en composición musical. Pero, en la segunda mitad del siglo XVIII, cuando hubo un boom en la impresión de partituras, los compositores comenzaron a escribir obras para ser interpretadas por instrumentistas aficionados, por el simple gusto de hacer música en casa. Se popularizó, entonces, la composición de series de ejercicios o estudios para los intérpretes, cuyo objetivo principal era solucionar determinados problemas técnicos y desarrollar paulatinamente destrezas en la ejecución del instrumento. En el aprendizaje del piano actual, aún se emplean colecciones de ejercicios de Hanon y Czerny, por mencionar los más usados, que datan de las primeras décadas del siglo XIX. Así, el estudio pianístico del siglo XIX se inició como un ejercicio para los dedos diseñado para lograr una técnica de gran virtuosismo que satisficiera las exigencias del público, ávido de admirar prodigios y celebridades. Los temas de los estudios eran algo áridos: la ejecución de escalas diversas, el desarrollo de la velocidad, el dominio de la ejecución de intervalos paralelos, el desarrollo de la mano izquierda, etc. Era usual encontrar ejercicios de pocos atractivos en lo musical y por lo tanto inservibles para los programas de concierto y, en general, se trataba de obras de poco interés musical y de gran potencial para el aburrimiento. Con Frédéric Chopin (1810-1849), se estableció la práctica de escribir obras de interés musical mediante las cuales se podían enfrentar y solucionar problemas de índole técnica. De allí que sus Estudios sean paradigmas del género y se incluyan en recitales de piano, pues, ante todo, son obras de arte y no entrenamientos gimnásticos, si bien la destreza necesaria para tocarlos deje boquiabiertos a los oyentes. 7 Chopin compuso 27 estudios y 24 de ellos fueron agrupados en dos números de Opus, el 10 y el 25. El Opus 25 fue dedicado a Marie d’Agoult, benefactora del compositor. El Opus 10 fue dedicado al compositor y pianista húngaro Franz Liszt. En el número 12 la mano izquierda debe elaborar un torrente de sonido indicado por Chopin como Allegro con fuoco, en tanto que la mano derecha marca una melodía enfática con puntillos, acordes y octavas. A esta obra en do menor se le denomina popularmente ‘Estudio revolucionario’, ya que fue escrito en Stuttgart (Alemania) con los sentimientos emotivos despertados por la noticia de la toma de Varsovia por los rusos en septiembre de 1831. La mayoría de los estudios del Opus 25 son breves, a excepción de los números 5, 7, 10 y 11 que duran más de tres minutos y contienen en su estructura secciones contrastantes. Algunos de ellos han recibido títulos descriptivos según los efectos que evocan. En general, llama la atención la riqueza melódica de los estudios y el ingenio con que el compositor construye estas pequeñas joyas en miniatura con mandatos técnicos restringidos como el Estudio No. 6, que se centra sobre las terceras paralelas y el No. 10, sobre las octavas paralelas. Scriabin Entre los solistas y compositores geniales y excéntricos del siglo pasado, el ruso Alexander Scriabin (1871-1915) ocupa un destacado lugar, gracias a su ascendencia y porte aristocráticos, tendencias místicas y forma particular de entender la música y los vericuetos de la armonía. Fue alumno de Anton Rubinstein y junto con Rachmaninov, Lhévinne y Médtner integra a una generación de grandes pianistas-compositores rusos. Asimiló asombrosamente el estilo de sus coetáneos y lo mezcló con las innovaciones de Chopin. Escribió cuatro sinfonías, pero sus obras más difundidas y originales fueron escritas para el piano, en especial sus obras cortas, las cuales son profundamente personales. Desde sus primeras obras para piano, sentó las características más prominentes de su estilo: fuerza expresiva y sensibilidad, riqueza e innovación técnicas, lirismo poético y búsqueda del colorido armónico original. Su obra posee un nivel alto de disonancia y momentos de atonalidad. A partir del Opus 53, Scriabin puso en práctica sus nociones originales acerca de los modos y la armonía, y sus relaciones con los colores. Al lado de las diez sonatas para piano 8 solo, se destacan los conjuntos de estudios agrupados como Opus 2, 8, 42 y 65, iniciados a los 15 años de edad. Al Opus 8 corresponden doce estudios, de dificultad creciente, con los cuales Scriabin se dirige a los problemas tradicionales de la ejecución del instrumento: arpegios, extensión de acordes, paralelismos y, como aporte original, ejercicios con polimetría (ritmos diferentes tocados al mismo tiempo). Son obras turbulentas y enérgicas. Los estudios del Opus 42 ofrecen inmensos contrastes entre lo misterioso, lo apasionado y la noción de apaciguamiento. El quinto de ellos es una de sus obras más conocidas y populares. En la Segunda sinfonía de Scriabin se intuyeron sus futuras propuestas ‘pan armónicas’, que lo acercaron a las teorías atonales de la escuela vienesa. Construyó acordes basados en intervalos de cuartas, ya no las tradicionales terceras del sistema tonal y acuñó un acorde de seis notas llamado ‘acorde místico’. Scriabin acopló la armonía musical a una teoría del color en la que ciertas sonoridades se reflejarían en colores específicos. En 1911 organizó un concierto con juegos de colores proyectados que respondían a las armonías. El misticismo de Scriabin crecía con cada año del transcurrir de su vida. En el año de su muerte se encontraba componiendo una obra sacra, Mysterium, que planeaba producir en los Himalayas a lo largo de siete días y siete noches como el «acto de unión entre el Creador-Masculino y la Mujer- Tierra». Esta noción estuvo precedida por Vers la flamme (Hacia la llama), obra que narra el proceso de una gran intensificación anímica y sonora cuyas armonías constan del acorde místico de seis notas, disonancias libres que van abarcando todo el teclado a medida que transcurre la contemplación que el compositor describe como una emoción naciente que crece hasta convertirse en evento brillante y luminoso. Para Scriabin, todo compositor era un visionario, pues el arte era una forma superior del conocimiento que revelaría la verdadera realidad para proveer así un pasaje al mundo trascendental de la divinidad. En sus obras Scriabin intentó encontrar un estado de éxtasis mediante el medio sonoro, y no la realización de una composición musical. Liszt Autor de unas setecientas composiciones (más de la mitad de ellas para piano), Franz Liszt (1811-1886) no fue un simple exponente del virtuosismo romántico, sino también un compositor innovador, cuyas obras más atrevidas 9 marcaron importantes hitos de la música del siglo XIX y preconizaron algunas concepciones armónicas características del modernismo. A mediados de siglo, Liszt era considerado ya uno de los mejores pianistas que el mundo europeo había conocido. Aunque nacido en Hungría, Liszt se formó en la tradición musical austro-alemana y supo conjugar las tendencias hacia el nacionalismo pictórico y el romanticismo afectivo con la escuela de corte académico del estamento musical alemán. La obra pianística de Liszt es un rico catálogo de estudios, piezas de carácter, piezas nacionales, trozos evocadores, versiones para piano de obras conocidas de otros compositores, variaciones, etc. Entre 1839 y 1847 Liszt emprendió una serie asombrosa de giras de concierto que lo llevó desde los Pirineos a los Urales con un número aproximado de mil presentaciones. De hecho, con esta actividad pública intensa, Liszt ayudó a crear la figura del ‘músico concertista’ del siglo XIX. Fue él quien usó por primera vez la palabra recital para sus presentaciones en Londres e instauró la costumbre de tocar piezas de diversas épocas y diferentes compositores en sus programas. Combinaba en sus actuaciones como pianista obras de su propia inspiración con piezas tomadas del repertorio europeo desde Bach a Chopin. De estas memorables giras datan los comentarios célebres que hiciera Hans Christian Andersen sobre Liszt: Cuando Liszt se sentaba al piano, la primera impresión que se recibía de su personalidad venía de las fuertes pasiones marcadas sobre su rostro pálido, de tal forma que parecía un demonio atornillado al instrumento de donde fluían los tonos —salían de su sangre, de sus pensamientos; era un demonio que liberaba su alma … Vi que el rostro asumía una expresión más noble e iluminada a medida que continuaba tocando; el alma divina brillaba en sus ojos y cada facción; se tornó hermoso, como sólo lo pueden hacer los adoradores del espíritu y el entusiasmo (Celenza, 2002). A partir de 1839 Liszt se interesó por la composición de una serie de piezas para piano de espíritu húngaro que no solo emplearan aspectos musicales magiares (como escalas y la fuerza expresiva manejada desde el ímpetu rítmico), sino que fueran un reto pianístico. Las dos primeras rapsodias fueron impresas en 1851 y, en 1853, aparecerían publicadas doce rapsodias adicionales. Las rapsodias que van desde el número 15 hasta el 19 son el resultado de trabajos realizados entre 1871 y el año de su muerte. Estas rapsodias de Liszt se convirtieron en modelos paradigmáticos para canalizar 10 los intereses nacionalistas europeos a mediados del siglo XIX: las músicas tradicionales sirvieron de materia prima para obras vistosas como suites y danzas sueltas, pero también jugaron un papel importante como aportes originales a formatos clásicos como la sonata y la sinfonía. Las primeras rapsodias de Liszt fueron declaraciones políticas de un artista vehemente ligado al movimiento revolucionario desatado en Europa a partir de 1845 y las más tardías fueron producto de su gran curiosidad acerca de las tradiciones de los gitanos húngaros e interpretaciones personales de aires tradicionales. Casi todas ellas se inician lentamente y se aceleran de acuerdo con la usanza de las csardas populares. El inicio pausado se denomina lassan y sus gestos laxos, llenos de expresividad, evocan improvisaciones. En una segunda sección, llamada friska, se acelera el discurso rítmico y emotivo. Liszt no desaprovechó las Rapsodias como ocasiones para desarrollar su estilo de composición y en ellas también consignó algunas de sus ideas musicales originales: uso de galas virtuosísticas, proezas técnicas y desarrollos extensos de ideas germinales. Las rapsodias Nos. 11 y 13 fueron publicadas en 1853. La No. 11, dedicada a Ferenc Orczy, evoca el sonido del tradicional cimbalón; su espíritu es íntimo. La siguiente, la Rapsodia No. 12 una de las más elaborada, está dedicada al renombrado violinista Joseph Joachim y emplea una melodía de Mark Rozsavolgyi en la primera parte y un tema gitano de Janos Bihari en la segunda, marcada como Allegro zingarese. El reconocimiento de Liszt como artista húngaro de relevancia se dio luego de residir durante un buen tiempo en su tierra natal a partir de 1870 debido a que la toma de Roma, por parte de las tropas del emperador Víctor Emanuel, impidió su regreso a su residencia en Italia. Fue designado entonces Consejero Real Húngaro del emperador Francisco José, título que le conce-dió un sueldo y el derecho a un sitio en la legislatura húngara. Además, fue nombrado director de la Academia Real de Música Húngara, en donde jugó un papel decisivo al fomentar el funcionamiento de un centro de estudio de gran calidad en el cual se formaron luego figuras tan exitosas como Bartók, Kodály y Dohnányi. A p