Gaspar Hoyos, flauta (Colombia)

Concierto interpretado por Gaspar Hoyos acompañado en el piano de Hugues Leclère. Gaspar es reconocido como uno de los flautistas más dinámicos y virtuosos de su generación. Su talento innato y gran musicalidad lo han llevado a realizar giras en Suramérica, Estados Unidos, Europa y Asia. En este concierto interpretaron obras de Béla Bartók, Erik Satie, Nicolas Bacri, Gary Schocker, Edgar Varèse, Francis Poulenc, Blas Emilio Atehortua, Richard Rodney Bennett, Erwin Schulhoff y Jacob Gade.RECORRIDOS POR LA MÚSICA DE CÁMARA Foto: Noémie Lapierre GASPAR HOYOS, flauta (Colombia) HUGUES LECLÈRE, piano (Francia) Miércoles 13 de julio de 2016 · 7:30 p.m. Bogotá, Sala de Conciertos Biblioteca Luis Ángel Arango Jueves 14 de julio de 2016 · 7:00 p.m. Ibagué, Sala Alberto Castilla del Conservatorio del Tolima Viernes 15 de julio de 2016 · 7:00 p.m. Girardot, Auditorio del Banco de la República TOME NOTA Sala de Conciertos Luis Ángel Arango Banrepcultural @ConciertosBR Banco de la República Banrepcultural SÍGANOS EN Actualización acerca del servicio de parqueadero SERVICIO DE PARQUEADERO EN BOGOTÁ El servicio de parqueadero tiene un costo de $3.300 pesos y cubre 4 horas. El pago se debe realizar previo al ingreso. Si viene en carro o en bicicleta, le informamos que el parqueadero para los asistentes a la Sala de Conciertos está completamente habilitado y no ha sido afectado por los cierres de la calle 12. Tenga en cuenta: Nuestra programación cultural no sufrirá cambios por las obras. El parqueadero estará habilitado únicamente para los asistentes a conciertos. También se mantiene el parqueadero para bicicletas. El ingreso al parqueadero para los asistentes a los conciertos se habilitará dos horas antes del inicio del concierto. La entrada y salida del parqueadero se hará por un mismo acceso, el de la carrera 5 # 11-68 (actual entrada al parqueadero). Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto éste ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto, con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Durante el transcurso del concierto por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares, buscapersonas y alarmas de reloj. Esto ayuda a crear un ambiente propicio para disfrutar la música. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. 1. 2. 3. 1 Artistas que inspiran Un buen estudiante de música debe ser curioso y complementar sus clases individuales asistiendo a conciertos, escuchando a otros músicos y absorbiendo variados estilos y repertorios. Un buen recital o el contacto especial que se genere con un artista pueden inspirar y generar cuestionamientos o inquietudes que nutren el desarrollo de un joven artista en formación. Para muchos músicos colombianos que se formaron a finales de los años noventa y durante la primera década del siglo XX, Gaspar Hoyos es el ejemplo de un artista inspirador. La sala de conciertos ha sido testigo del desarrollo de Gaspar. Desde sus primeras actuaciones en la sala como joven intérprete en 1990, el público bogotano ha tenido la posibilidad de escuchar 10 recitales en los que este flautista colombiano ha interpretado desde las sonatas para flauta de Bach hasta obras de Messiaen, Takemitsu, Bartók o Martinů. A lo largo de este camino Gaspar le dio ejemplo a varios músicos colombianos al demostrar que tenía el nivel musical, no solo para estudiar en Francia sino también para ganar varios concursos internacionales. En sus actuaciones en Colombia ha tenido la posibilidad de colaborar con artistas como el clavecinista Jory Vinikour y los pianistas Harold Martina y Hugues Leclère. Con este último grabó en 2006 un disco en celebración de los cuarenta años de la sala de conciertos. Esta grabación incluye El encantador de pájaros, una obra de la compositora Amparo Ángel que lentamente se ha convertido en una obra obligada para los jóvenes flautistas colombianos. En el aniversario número cincuenta de la sala de conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango y tras diez años de haber brindado su último recital en este recinto, Gaspar Hoyos regresa al país para inspirar a una nueva generación de músicos colombianos, a brindar su talento a aquellos que no lo conocen y a volver a compartir un magnífico repertorio que combina obras exigentes para un solista virtuoso y otras que evocan diferentes épocas y latitudes a través de sus estilos, colores y gestos musicales. ¡Bienvenidos! 2 Foto: Noémie Lapierre Gaspar Hoyos es reconocido como uno de los flautistas más dinámicos y virtuosos de su generación. Su talento innato y gran musicalidad lo han llevado a realizar giras en Suramérica, Estados Unidos, Europa y Asia, donde ha sido unánimemente aclamado por el público y la crítica. Recientemente ha sido solista en la Orquesta Simón Bolívar (Caracas), con la cual interpretó la fantasía sobre El flautista de Hamelin (Pied Piper Fantasy) durante el Festival Corigliano, en presencia del compositor. También ha sido invitado a impartir clases en la Royal Academy of Music de Londres y en la Universidad de Yale. Acogido como el «maestro colombiano de más valor en el panorama musical mundial» (Cambio 16, Bogotá), obtuvo dos premios en el Concurso Internacional Jean-Pierre Rampal después de ocupar el primer lugar en el Concurso Internacional de Markneukirchen. En esa ocasión fue invitado a debutar como solista en el Teatro de los Campos Elíseos con el Ensemble Orchestral de Paris. Esta invitación marcó el inicio de conciertos y clases alrededor del mundo. Además de haber sido escuchado en ciudades como París, Nueva York, Tokio, Boston, Frankfurt, Lima y Bogotá, Gaspar Hoyos ha participado en prestigiosos festivales internacionales: Montpellier Radio-France, Nancyphonies, Musica Riva, Guebwiller, Boston July in Jordan, Istria, Jeunesses Musicales, Clairac, Serra Nevada y Musique Action. La discografía de Gaspar Hoyos como solista incluye Absinthe (Fleur de Son), Bravissimo (Octavia Records), las sonatas para flauta y clave de Johann Sebastian Bach (Lontano) y el disco que conmemora los 40 años de la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango. Gaspar Hoyos 3 Hugues Leclère piano Actualmente es primera flauta en la orquesta de la Opéra National de Lorraine y continúa con sus actividades pedagógicas, sus actuaciones con el grupo de música contemporánea Ultim’asonata, del cual es miembro fundador, y también sus cursos de verano en la Croatia Flute Academy y en las Académies d’été de Provins (Francia). Gaspar Hoyos inició sus estudios de flauta con Sarah Brown y François Khoury en Bogotá, para luego continuarlos con varios profesores, entre los que se destacan Paula Robison y Raymond Guiot. Tuvo, además, la suerte de ser el último alumno del gran flautista Jean-Pierre Rampal, en su encantadora casa de la avenida Mozart en París. Hughes Leclère nació en Francia en 1968. Perfeccionó su técnica musical con Catherine Collard, gracias a quien ingresó como primero de su clase al Conservatorio Nacional Superior de Música de París. Allí se graduó con altos honores en piano, teoría musical y música de cámara. Se ha presentado en varios países alrededor del mundo, incluyendo los Estados Unidos (Cleveland, Bloomington, Boston, San Antonio...), Canadá (Montreal), países del Lejano Oriente (Japón, China, Tailandia) y la mayoría de los países europeos: Francia (Cité de la musique, Radio France, Festival de Chopin en Nohant), Países Bajos (Concertgebouw y la Ópera de Ámsterdam), Alemania (Musikhalle en Hamburgo), Rusia, Italia, España y Portugal (Festival de Coimbra). Ha sido invitado por varias orquestas (Camerata de la Filarmónica de Berlín, Orquesta Sinfónica de la Radio de Praga, Orquesta Nacional de la Lorena, Orquesta Nacional de Auvergne, Orquesta Sinfónica del Estado de México, Orquesta Sinfónica y Ópera de Nancy, Orquesta de Minsk, Orquesta Nacional de Samara, Orquesta de Timisoara, Ensemble l’Itinéraire...), en las que ha sido dirigido por Jacques Mercier, Jean-Pierre Wallez, Arie Van Beek, Mikhail Shcerbakov, Ondrej Lenard, Sébastian Lang-Lessing, Enrique Batiz y Manuel Hernández-Silva, entre otros. Intérprete sobresaliente de Debussy, Ravel y sus contemporáneos, Hughes Leclère confirma enteramente su madurez en el repertorio alemán (Haydn, Beethoven, Brahms, etc.), que ha interpretado como solista o en música de cámara en conciertos con Augustin Dumay, el Streichquintett de la Filarmónica de Berlín, los solistas de la Orquesta de París y los cuartetos Talich, Modigliani y Amarcord. Foto: Hélène Cotinaud-Cohen 4 Su pasión por Mozart, Haydn y Beethoven lo ha empujado a investigar las sonoridades originales de los instrumentos clásicos. Posee una copia del instrumento de Stein, que encaja perfectamente con las obras maestras de fi nales del siglo XVIII. Su discografía incluye 13 grabaciones, entre las cuales se encuentra el estreno mundial de las Sonatas Ladurner Op. 4 en instrumento clásico y la Sonata para violín de Witkovski. En 2011 lanzó sus grabaciones en vivo del Concierto para piano en la mayor No. 23 de Mozart (K.488) y el Concierto para piano en sol mayor de Ravel, con la Orquesta de la Radio Nacional de Praga. Participante activo en la escena musical contemporánea, Hughes Leclère ha trabajado con varios compositores, contribuyendo con comisiones de obras nuevas. Adicionalmente, ha propuesto varias presentaciones originales con los comediantes franceses Alain Carré y Marie-Christine Barrault, y especialmente con el pintor Rubén Maya, en las que confl uyen expresiones artísticas muy diferentes. Además de su carrera como artista de conciertos, Hugues Leclère enseña en el Conservatoire à Rayonnement Régional de Paris y es el director artístico del festival internacional Nancyphonies. Este concierto cuenta con el apoyo de 5 CONCIERTO No. 33 INTERMEDIO PROGRAMA Suite campesina húngara (1914-1918) Canciones populares tristes Scherzo Danzas antiguas Je te veux (c. 1902) Tres impromptus Op. 115 (2005/2009) Adagio semplice Adagio sognando Rondino Café Music (1997) Densidad 21.5 (1936) Les chemins de l’amour (1940) Duo concertante (1988) Siesta de Summer Music (1982) Sonata para flauta y piano (1927) Allegro moderato Scherzo. Allegro giocoso Aria. Andante Rondo-Finale. Allegro molto gajo Jalousie (1925) BÉLA BARTÓK (1881-1945) Original para piano Arreglo de Paul Arma (1905-1987) ERIK SATIE (1866-1925) NICOLAS BACRI (n. 1961) GARY SCHOCKER (n. 1959) EDGAR VARÈSE (1883-1965) Flauta sola FRANCIS POULENC (1899-1963) BLAS EMILIO ATEHORTUA (n. 1943) RICHARD RODNEY BENNETT (1936-2012) ERWIN SCHULHOFF (1894-1942) JACOB GADE (1879-1963) Arreglo de Toke Lund Christiansen (n. 1947) 6 NOTAS AL PROGRAMA Por Ellie Anne Duque Béla Bartók A partir de 1904, año en que Bartók comienza sus investigaciones en el campo de la música popular y tradicional de su Hungría natal y de culturas aledañas, su estilo de composición se verá profundamente alterado. Bartók se había iniciado en la composición con un lenguaje estilístico de corte posromántico alemán, acorde con la escuela de sus maestros y el ambiente germánico predominante de la cultura húngara, y también con su temprana admiración por la monumental obra de Richard Strauss; pero cuando se desarrolló su aprecio por la música tradicional y popular húngara y rumana, nació el músico moderno que cuestionaría a fondo el romanticismo alemán y la tradición académica y comenzaría a aportar sus propias soluciones e ideas a la crisis tonal de comienzos del siglo XX, en la que imperaba la disonancia y el discurso rítmico adquiría su independencia. Todos estos nuevos gestos sonoros fueron para Bartók un terreno fértil para la innovación. El tratamiento que dio Bartók a esta “materia prima musical” tuvo muchas manifestaciones, que fueron desde instrumentaciones y armonizaciones relativamente sencillas, como en el caso de las Danzas populares rumanas, hasta las reelaboraciones más abstractas de sus cuartetos, en los que indaga sobre la naturaleza misma de la afinación. El más temprano “manifiesto” bartokiano será el Allegro barbaro de 1911 para piano solo. En la Suite campesina húngara (original para piano), escrita en los años de guerra comprendidos entre 1914 y 1918, se hacen presentes rasgos rítmicos enérgicos, un cromatismo exacerbado y una expresividad musical que va desde lo sentimental (con evocaciones de nostalgias y lejanías) hasta la energía innata de la danza. Su obra original para piano comprende quince canciones húngaras campesinas agrupadas en Cuatro viejas canciones, un Scherzo, una Balada (tema con variaciones) y nueve Antiguos aires de danza. Cada una de las canciones del grupo inicial de piezas se basa en viejos lamentos y ofrece al oyente una gran lógica temática. Erik Satie Más allá de la composición de piezas triviales y lúdicas con títulos fantasiosos, a veces absurdos, Satie jugó un importante papel en la consolidación del estilo musical moderno de los primeros años del siglo XX. No solo contribuyó a la revitalización del sistema armónico tradicional mediante el empleo de los modos eclesiásticos medioevales, sino que aplicó a su obra un proceso formal simplificado que, en retrospectiva, es visto como la semilla primigenia del minimalismo. Su influencia se hizo sentir en la obra de otros compositores franceses, entre ellos Debussy, Milhaud, Auric y Poulenc. No tuvo éxito en su preparación como pianista 7 en el Conservatorio de Música de París y finalmente se formó como compositor en la conservadora Schola Cantorum dirigida por Vincent D’Indy. Sus obras no solo se construyen en torno a modalidades arcaicas, sino que su forma obedece a un discurso exótico asociado al surrealismo, como ocurre con las Tres piezas en forma de pera, Cosas vistas a la derecha y a la izquierda sin anteojos, Música para muebles, Embriones disecados, etc. En 1888 sorprendió al estamento musical francés con las Gimnopedias para piano, que datan de su época bohemia en Montmartre, marcada por eventos escandalosos como la fundación de su propia iglesia, el affaire con Suzanne Valadon (madre del pintor Utrillo) y su trabajo como pianista en el café Le Chat Noir. Era un buen conocedor de la música ligera de salón, pues desde los 12 años escribía este tipo de música para ser ejecutada por su madrastra pianista. El vals canción Je te veux (Te deseo) tiene texto de Henry Pacory. Es un trozo sentimental, pegajoso, inolvidable, pensado para ser cantado por Paulette Darty. Consta de dos versos y un refrán. Apareció registrado en 1902, pero es posible que su composición sea de años anteriores. Nicolas Bacri Bacri es un reconocido compositor francés que trajina medios acústicos tradicionales y se expresa con el uso de formas conocidas, como cuartetos para cuerda, música para piano, música orquestal, etc. Inició su formación musical a los 7 años de edad con el aprendizaje del piano. Se graduó con primeros premios en el Conservatorio de París, en 1983, y luego realizó estudios de perfeccionamiento en Roma. Su extensa hoja de vida incluye premios, reconocimientos, residencias, nominaciones y grabaciones, y se puede consultar en http://www.nicolasbacri.net/ Luego de cuatro años como director de música de cámara de Radio France, Bacri se dedicó a la composición y la dirección orquestal. Debutó como director con la Orquesta Sinfónica de Londres, con el estreno de su Opus 130 El día de Ahae (Cuatro imágenes para orquesta), en 2013. Los Tres impromptus Op. 115 llevan por título Adagio semplice, Adagio sognando y Rondino. Los dos primeros se parecen en sus gestos sueltos e improvisados. El Rondino es rítmicamente muy activo y de estructuras más repetitivas y claras. Gary Schocker Una de las figuras importantes dentro del mundo de la flauta contemporánea es la de Gary Schocker, versátil flautista, compositor y pianista norteamericano. Sus ideas musicales novedosas han contribuido al enriquecimiento del repertorio para la flauta y al mejoramiento de la técnica. Todo un recitalista virtuoso, realizó su debut como solista profesional a la edad de 15 años con la orquesta Filarmónica de Nueva York y la Philadelphia Orchestra. La lista de los premios ganados en 8 competencia es interminable. Realiza giras internacionales en las cuales ofrece talleres de enseñanza, y es usual escucharlo en concierto con el guitarrista Jason Vieaux. En su página web, www.garyschocker.com/index.html, se destacan sus composiciones en forma de sonata, música de cámara y música orquestal. Ha escrito varios musicales exitosos, entre ellos Far from the Madding Crowd y The Awakening. Pertenece al cuerpo docente de NYU (New York University) y trabaja también desde su estudio privado en Easton, Pensilvania. Pese al título, Café Music no es una pieza fácil o superficial, pero indudablemente se trata de una música relajada, de interés melódico y sin gestos populares condescendientes. Edgard Varèse En el variado espectro de la música moderna de la primera mitad del siglo XX, la obra de Edgard Varèse es considerada paradigma de muchos estilos y tendencias que se resumen en sus piezas o parten de ellas. Por ejemplo, a partir de su Poema electrónico se desata el interés general por la música electrónica y su amplia gama de posibilidades. Su ejercicio para flauta sola Densidad 21.5 es un resumen de las tendencias atonales (no serialistas) de la música moderna. En Ionización marcó el sendero para la música para instrumentos de percusión como entes independientes de la textura orquestal. El compositor depuró su obra de manera profunda hasta dejar un puñado de composiciones ―12―, cada una de ellas un evento mayúsculo dentro del devenir histórico de la música del siglo pasado. En sus obras, Varèse plantea un problema de composición y ofrece novedosas soluciones. Su actitud es experimental, ecléctica y contestataria. Ciertamente su personalidad musical rebelde lo llevó a cuestionar tradiciones de la composición consideradas “verdades” y, liberado de ellas, pudo dar rienda suelta a su desbordante imaginación sonora. Francis Poulenc Cada uno de los miembros del grupo de compositores franceses denominado Los Seis (Georges Auric, Louis Durey, Arthur Honegger, Darius Milhaud, Germaine Tailleferre y Francis Poulenc) escribió canciones. Bajo la influencia de Stravinsky, buscaron recrear en su obra los ideales de la sencillez, la brevedad y la claridad. En reacción a los años de la Primera Guerra Mundial y a la fuerte carga neorromántica de la época, escribieron también en un estilo ligero, casi popular. Poulenc escribió 174 canciones a lo largo de cuarenta años y en los estilos más diversos. Sin embargo, sus esfuerzos más exitosos fueron realizados en torno a textos de poetas surrealistas, en especial los de Guillaume Apollinaire, Max Jacob y Paul Élouard. Su capacidad de imitar cualquier estilo sumada al detalle cuidadoso 9 de sus composiciones le permitió realizar una síntesis de una gran cantidad de tendencias estilísticas. Mientras ahondaba en el neoclasicismo, compartía las ideas dadaístas practicadas por Eric Satie con el uso de títulos absurdos y melodías monótonas e hipnotizantes. De acuerdo con los cánones del dadaísmo, había que evitar el exceso de sentimiento asociado con la vieja guardia. Les chemins de l’amour (Los caminos del amor) es una canción nostálgica, pensada para el ambiente del café, en la cual el poeta Jean Anouilh añora el amor lejano, pasado. El refrán, de música muy conocida, reúne el espíritu de la obra: «Caminos de mi amor, los busco todavía, caminos perdidos que ya no existen…» Blas Emilio Atehortúa Atehortúa pertenece a una generación de compositores latinoamericanos que se destacan por haber sido partícipes activos en el establecimiento de una amplia y variada identidad cultural. Luego de su formación inicial en Medellín en el conservatorio de la Escuela de Bellas Artes (1953-1956), fue alumno en el Departamento de Música de la Universidad Nacional de Colombia (1959-1962). Participó en los talleres de composición del Centro Latinoamericano de Altos Estudios Musicales del Instituto Torcuato Di Tella en Buenos Aires, en dos ocasiones (1963-1964 y 1966-1968), y estudió en Estados Unidos en 1965 con una beca de la Fundación Ford. Siempre vinculado a la enseñanza de la música, estuvo al frente de cuatro conservatorios: el de la Universidad Nacional, el de la Universidad de Antioquia, el de la Universidad del Cauca y el de la UIS en Bucaramanga. Residió en Caracas (Venezuela), en donde trabajó con la Fundación del Estado para la Orquesta Nacional Juvenil. Para Atehortúa, la estética multifacética es el ingrediente común a todas sus obras. Entre sus creaciones tempranas se destacan el Tríptico para orquesta, el Concertino para timbales y orquesta de cámara y el Ensayo concertante para orquesta de cuerdas Op. 5. A partir de 1968 evoluciona hacia un estilo muy propio y maduro en el cual su personalidad se conjuga con una visión americanista desligada del nacionalismo obvio. A lo largo de todas sus etapas creativas, de formación y profesionales, Atehortúa hace referencias constantes a la tradición barroca, evidentes no solo en los títulos de las obras, sino en el contenido, los contrastes de la instrumentación, las técnicas de variación, la presencia del contrapunto y el impulso rítmico motriz. Dichas características son evidentes también en este Dúo conc