Pavel Steidl, guitarra (República Checa)

Concierto interpretado por Pavel Steidl. Inició sus estudios de guitarra a los 8 años; su hermano fue su primer maestro. Después ingresó al Conservatorio de Praga donde fue alumno de Milan Zelenka y Arnold Sadlik. Una vez graduado estudió durante cuatro años con Stepan Rak en la Academia de Artes Musicales en Praga, además de pruticipar en clases magistrales dictadas por David Russell y Abe] Carlevaro. En 1982 Steidl ganó el Concurso Internacional de Guitarra de Radio France en París, logro que lo consagró como concertista internacional. En la actualidad vive en Holanda desde donde desarrolla una muy activa e importante carrera como concertista y maestro. Pavel Steidl ha alcanzado también importantes reconocimientos como compositor. En este concierto interpretó obras de Losy, Lobkovic y Cervenka, Niccoló Paganini, Mauro Giuliani, Jana Obrovska, Carlo Domeniconi, Pavel Steidl y Isaac Albéniz.4 de octubre al 1° de novÚ.'tnbrl' dl' 1007 Bo<;OIA- 1\lrouii" C"''- BAHRA,.,.QUILIA :viA'dt.Aus IL'-1~ .. UNIVf:JJSIDAD EAFfT Digitalizado por la Biblioteca Luis Ángel Arango del Banco de la República, Colombia. Segunda semana de la guitarra Banco de la República Actividades que se llevarán a cabo en Bogotá Conciertos: Domingo 7 de octubre - 11 :00 a.m. Dúo Brasilero (Brasi 1) Miércoles 17 de octubre- 7:30 p.m. Pavel Steidl (República Checa) Domingo 21 de octubre - 11 :00 a.m. Ricardo Cobo (Colombia) Miércoles 31 de octubre- 7:30 p.m. Los mellizos Katona (Hungría) Clases magistrales: Sábado 6 de octubre - 1 0:00 a.m. a 1 :00 p.m. Dúo Brasilero (Brasil) Sala de Audiovisuales de la Biblioteca Luis Ángel Arango Jueves 18 de octubre - 10:00 a.m. a l :00 p.m. Pavel Steidl (República Checa) Auditorio del Museo de Arte del Banco de la República Sábado 20 de octubre- 3:00 a 6:00p.m. Ricardo Cobo (Colombia) Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Mattes 23 de octubre - 3:00 a 6:00 p.m. Los mellizos Katona (Hungria) Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Exposición: Entre el JI de octubre y el 2 de noviembre estará abierta al público, en el foyer de la Sala de Concie1tos, una interesante exposición de guitarras de diferentes épocas, construidas por el maestro Alberto Paredes. ~ BANCO DE LA REPÚBLICA BIBL I OJ'FCA LU I S ÁNGE l A RANGO Digitalizado por la Biblioteca Luis Ángel Arango del Banco de la República, Colombia. Introducción Jaime Cortés Son excepcionales las prácticas musicales y los valores emblemáticos que la guitarra ha encarnado en los últimos dos siglos. Sin su presencia es dificil imaginar las representaciones musicales de los nacionalismos iberoamericanos, las expresiones populares extendidas a través de los medios masivos de difusión, y las manifestaciones tradicionales y campesinas de nuestro continente arraigadas en dinámicas culturales que a menudo se fundamentan en la transmi­sión oral. En muchos casos se trata de músicas con orígenes comunes y desarrollos paralelos, que confluyen en lo que hoy en día conocemos ampliamente como la guitarra moderna, un instrumento de seis cuerdas generalmente con la afinación Mi, La, Re, Sol, Si y Mi y un cuerpo más grande del de sus predecesoras, las guitarras barrocas de cinco órdenes. 2 Las primeras menciones a las guitarras de seis cuerdas provienen de la segunda mitad del siglo XVIII. Los protagonistas en este desarrollo fueron músicos franceses, italianos y españoles. Un ejemplo de la transición entre los modelos de guitarra barroca y la subsi­guiente guitarra de seis órdenes simples puede verse en los libros de Giacomo Merche, un músico italiano radicado en la capital fran­cesa. Mientras en su Le guide des écoliers de guitarre, publicada hacia 1761, todas las referencias estaban dirigidas al instrumento de cinco órdenes de doble cuerda, en el Traité des agréments de la musique exécutés sur le guitarre, publicado en 1777, reco­mienda el uso de la guitarra de seis cuerdas. Los argumentos de Merche eran sencillos: mayor claridad en la pulsación, una afinación más fácil y precisa, y un sonido más amable y cercano al de un arpa. La sustitución de un modelo por otro fue un proceso lento que tam­bién tuvo una relación directa con los sistemas de escritura musical. Si las connotaciones populares del instrumento favorecieron la tablatura, el interés por escribir obras elaboradas, muchas de ellas Digitalizado por la Biblioteca Luis Ángel Arango del Banco de la República, Colombia. con conducción de diversas voces, obligó fmalmente a utilizar una notación mensura! en un solo pentagrama, convención que aún se conserva. Este cambio reflejó, al menos parcialmente, el paso de una interpretación que privilegiaba el rasgueo en una sucesión de acordes a una interpretación en la que se hacía necesario el punteo y el uso de acordes arpegiados. Parte de esta transformación puede documentarse en el repertorio vocal. La guitarra comenzó a utili­zarse como instrumento que podía hacer bordones y ornamentos a la melodía de la voz, apoyos en los registros bajos y acordes arpegiados tal como se hacía en los instrumentos de teclado. En consecuencia, las nuevas características de la interpretación igual­mente requerían una escritura más "literal" respecto a aquello que estaba sucediendo musicalmente. Lo que había sucedido en el medio francés también encontró ecos en Italia y España. En 1799 Federico Moretti, un músico napolitano al servicio de la corte española, publicó Principios para tocar la guitarra de seis órdenes, y apenas nueve años antes el español Antonio Ballesteros había dado a conocer su Obra para guitarra 3 de seis órdenes. La influencia de Ballesteros, y especialmente la de Moretti con el uso de una cuidadosa escritura en la que diferenciaba la conducción de voces, fue adoptada por dos célebres guitarristas españoles cuya trayectoria se dio principalmente fuera de la península: Fernando Sor (1778-1839) y Dionysio Aguado (1784-1849). Otros nombres asociados al desarrollo de la interpretación y del repettorio guitanístico de la primera mitag de siglo XIX fueron Matteo Carcassi (1792-1853), Ferdinando Carulli (1770-1841) y Mauro Giuliani (1781-1829). Cada uno no solamente cumplió con realizar aportes en la composición de obras para el instrumento, sino que contribuyó a difundir su práctica a través de giras y recitales en ciudades europeas, y además a darle un nuevo estatus a la presencia del instrumento en conciertos públicos dentro del horizon.te del virtuosismo decimonónico, tal y como sucedía especialmente con el piano y el violín. Digitalizado por la Biblioteca Luis Ángel Arango del Banco de la República, Colombia. Pero si el antiguo régimen dio el impulso para que la guitarra adoptara valores apreciados musical y culturalmente, la civilidad burguesa abrió el camino. para que se convirtiera en un instrumento de amplísimo uso. La facilidad de su ejecución para lograr un acompañamiento básico de tipo armónico fue un elemento esencial para llegar a ser uno de los instrumentos preferidos por los músicos aficionados. Además de las piezas fáciles publicadas por los guitarristas para músicos versados en la escritura musical, la cultura musical oral conquistó el repertorio guitarrístico de canciones y piezas de baile para el medio doméstico tanto de las clases proletarias como de las clases medias. Entre tanto, los modelos de guitarras de seis cuerdas tuvieron un cambio profundo. Ya no se utilizó un sistema de clavijas de madera sino un mecanismo de metal; los trastes fueron elaborados en marfil, luego en ébano y finalmente en metal; la boca perdió el diseño calado de las rosetas barrocas por una boca abierta; el puente se levantó y la tapa se estabilizó en forma plana. Pero tal vez las variaciones más 4 profundas y definitivas se dieron en la segunda mitad del siglo XIX. N o en vano se mencionan una y otra vez los prototipos de Antonio de Torres Jurado ( 1817 -1892), quien aumentó el tamaño del instrumento hasta llegar a las dimensiones que conocemos como estándares, dio mayor distancia a la longitud vibrante de las cuerdas e introdujo un diseño de puente más eficaz para soportar la tensión. Eran guitarras con mejores y más potentes recursos sonoros que, explorados por los intérpretes, permitieron finalmente darle un valor de instrumento académico que podía ser usado al lado de un conjunto de cámara, e incluso como solista en una orquesta sinfónica. Aparecieron en el escenario nombres como Francisco Tárrega ( 1852-1909), Emilio Pujol Vilarubí ( 1886-1980), Miguel Llobet (1878-1938), Andrés Segovia (1893-1987) e Ida Presti (1924- 1967), entre tantos otros. Fueron ellos quienes, en la búsqueda de repertorio, realizaron transcripciones y adaptaciones de obras originalmente escritas para otros instrumentos, y además motivaron la composición de nuevas piezas específicamente para la guitarra. De allí que aún actualmente nos encontramos con programas de Digitalizado por la Biblioteca Luis Ángel Arango del Banco de la República, Colombia. concierto cuyos ingredientes se derivan, en muchas ocasiones, de algunos recitales guitarrísticos del siglo XIX: obras originales para guitarra en las que se destacan giros técnicos orientados a lo virtuosístico, transcripciones y adaptaciones de obras barrocas e incluso renacentistas concebidas para instrumentos antecesores a la guitaiTa, arreglos y variaciones realizados sobre obras famosas como trozos de óperas o incluso de obras instrumentales, piezas que comulgan con los ímpetus de los nacionalismos y también elaboraciones eruditas sobre expresiones populares. En el mismo proceso no podrá olvidarse la guitarra en la música popular. ¿Qué decir del flamenco, la bossa nova, la zamba, las rancheras, el bolero y tantos otros géneros de indiscutible vigencia y tradición? Son expresiones de profundo aiTaigo regional cuya popularización ha estado ligada a las conquistas tecnológicas y sus efectos en la masificación cultural del siglo XX. En este campo las variantes son múltiples, y las pretendidas divisiones entre expresiones puramente populares y otras académicas quedan opacadas por la realidad que escuchamos. Nos enfrentamos a los debates bizantinos 5 sobre si exist~ técnica en la guitarra flamenca o no, si el acompaña-miento guitarrístico que dio vida a la bossa nova gracias a Gilberto Gil es fruto de la simplicidad de lo popular, o si el tango de Piazzolla es auténtico o no. Las respuestas son triviales a la hora de swner-girse en la experiencia musical. Más allá de la especulación, no deja de sorprendernos la diversidad del repertorio guitaiTístico, las variantes en las técnicas empleadas para su interpretación, y los diversos tipos de instrumentos cuidadosament~ construidos por miles de luthiers que satisfacen pedidos desperdigados en la globalidad del mercado musical. La guitaiTa hoy nos sigue acompañando en una celebración desparpajada, en las salas de concierto bajo la atmósfera creada por las convenciones de un recital, o en la intimi-dad de cualquier recinto privado mientras exploramos individual-mente su sonido. Difícilmente podremos encontrar otro (nstru:t:I}ento con el carácter casi omnipresente de la guitarra en la cultura musical de nuestro tiempo. Digitalizado por la Biblioteca Luis Ángel Arango del Banco de la República, Colombia. PAVELSTEIDL República Checa Nació en Rakovnik (República Checa), e inició sus estudios de guitarra a los 8 años; su hermano fue su primer maestro. Después ingresó al Conservatorio de Praga donde fue alumno de Milan Zelenka y Arnold Sadlik. Una vez graduado estudió durante cuatro años con Stepan Rak en la Academia de Artes Musicales en Praga, además de pruticipar en clases magistrales dictadas por David Russell y Abe] Carlevaro. En 1982 Steidl ganó el Concurso Internacional de Guitarra de Radio France en París, logro que lo consagró como concertista internacional. En la actualidad vive en Holanda desde donde desarrolla una muy activa e importante carrera como concertista y maestro. Pavel Steidl ha alcanzado también importantes reconocimientos como compositor. Cada año se desplaza a más de 30 países de todos los continentes para atender compromisos como recitalista, concertista y maestro. Ha tocado en toda Europa, Canadá, Estados Unidos, t:ostáR:icá, México, Cuba, Australia, Japón y Argentina. En 2003 su nombre fue incluido entre los ocho más importantes guitanistas del mundo por la revista italiana Chitarre. 15 Digitalizado por la Biblioteca Luis Ángel Arango del Banco de la República, Colombia. 16 Su discografía comprende cerca de 20 grabaciones producidas por los sellos Supraphone, Panton, Pehy, Frame y Naxos . .CQII)entarios: "El recital de Steidl fue asombroso, y toda la audiencia terminó rendida a sus pies ... Toca con tanta expresividad que pareciera que es el compositor de todo lo que interpreta" Gendai Guitarr "En él tenemos a un guitarrista que sabe cómo gozar intensamente la música y cómo contagiar a la audiencia ese goce" . . . Nunca una ovación de pie fue más ricamente merecida. Pavel Steidl se ha ganado los corazones y las mentes del público" Classical Guitar Magazine "Con perversa ironía, un amigo alguna vez me comentó que la guitarra clásica era solo para guitarristas. Sacaba cuentas que parecían contundentes: ¿acaso Haydn, Mozart, Beethoven, Schubert, Mendelssohn prestaron atención al instrumento? ¿Dónde están las grandes obras de fmales del siglo XVIII y principios del XIX para el instrumento? Hubiera querido compartir con ese amigo la jomada del martes en el XII Concurso y Festival Internacional de Guitarra Leo Brouwer, de La Habana, cuando Pavel Steidl iluminó, en apenas una hora, la música que habita en algunas de las partituras esenciales de ese periodo. La guitarra en manos de este creador -esa justamente es la palabra que defme su oficio interpretativo-, no termina en sí misma sino en un indescriptible acto de comunica­ción de vivencias musicales" Cubarte "Por Gran Artista entiendo a alguien como Pavel Steidl, y conste que escojo mis palabras cuidadosamente ... Si usted pudiera apren­der el fraseo que él tiene, ya le habrá hecho una contribución al mundo de la guitarra. Pero nadie puede hacer que otro toque como Steidl. Y, a decir verdad, es suficiente que Steidl toque como Steidl!" Colin Cooper, Classica/ Guitar Magazine Digitalizado por la Biblioteca Luis Ángel Arango del Banco de la República, Colombia. PROGRAMA Suile Música de artistócratas bohemios: Obertura Allemande Courante Scwabande Bourre Gigue LOSY, LOBKOVIC y CERVENKA Arreglo: Pavel Steidl Sonata y Ghiribizzi NICCOLÓ PAGANINI (1782-1840) Rosiniana No. 1 MAURO GIUL!ANI (1781-1829) INTERMEDIO Homenaje a una coral gótica JANA OBROVSKA (1931-1987) Homenaje a Jimi Hendrix CARLO DOMENICONI (1945-) Homenaje a Jana Obrovska PAVEL STEIDL Sevilla (de la Suite iberia) ISAAC ALBÉNJZ (1869-1909) CONCIERTO No. 71 17 Digitalizado por la Biblioteca Luis Ángel Arango del Banco de la República, Colombia. 18 Notas al programa Jaime Cortés La l>ohemia aristócrata La primera evocación del concierto de hoy nos lleva al mundo musical de fmales del siglo XVII y comienzos del XVIII. Aunque no la única, un hombre con un laúd encama parte de la práctica musical de la época. Como podrá recordarse, no se trata de una representa­ción solamente ligada a la región sino de un tema prácticamente paneuropeo. Encontraremos desde músicos italianos hasta ingleses tañendo un laúd con una partitura que cae sobre una mesa y, si tenemos suerte, el artista la habrá representado con tantos detalles que podremos identificar la obra como si leyésemos las notas musi­cales en un papel. Pero en este caso se nos escapa el repertorio. Solamente nos llegan las referencias de aquellos que adquirieron su posición social por herencia familiar o por mé1itos guerreros: Losy, Lobkovic y Cervenka. De origen suizo, los Losy llegaron a Praga y ganaron un título en la nobleza por su bravura contra el ataque de los suecos a la ciudad hacia 1620. Podría decirse que a la generación a la que perteneció nuestro músico le fue posible disfrutar de la pacificación a1istócrata, y simplemente recordar los días de batalla a través de la memoria pictórica. Por eso se nos antoja imaginar a los tres músicos men­cionados como pertenecientes a una nobleza refinada, humanista y sensible a las artes. Naturalmente, las posibles representaciones nos mostrarán a un personaje de modesta y apacible figura, cuyos modales sugieren su formación en filosofia, con conocimientos de literatura y en la actitud cosmopolita que el obligado tour europeo confería a alguien de alta posición social. Como músico podría aparecer tañendo su laúd, despreocupado o embelesado. Algo semejante podríamos crear en tomo a Lobkovic. Sin embargo, deberíamos añadirle representaciones adicionales: una larga genea­logía en papel amarillento y un rico archivo musical de manuscritos Digitalizado por la Biblioteca Luis Ángel Arango del Banco de la República, Colombia. e impresos. La de los Lobkovic constituye toda una selva heráldica; ciertamente no fueron unos recién llegados en Praga. Tampoco fueron unos neófitos en asuntos musicales. Su patronazgo está documen­tado desde el siglo XIV y apenas podemos contar los objetos que dan testimonio de su pasado artístico. No es extraño, entonces, que en este linaje encontremos a Fernando Augusto, amateur con el laúd, y a sus hijos Philipp Hyacinth y Johann Georg Christian, ambos figuras de indudable importancia en el desarrollo del Gluck temprano. La evocación es, en consecuencia, la de una figura de gusto delicado, seducido por el ejercicio intelectual, el deleite artístico y el movi­miento fisico de la danza, la caza y otras formas de sociabilidad. El repertorio que estos aristócratas nos legaron está así enmarcado en los géneros del salón europeo, la estilización de danzas adecuadas al entorno cortesano, las variaciones sobre los temas conocidos y, por supuesto, el sosiego que debía y podía dar una música conce­bida simplemente para amenizar los tantos momentos de ocio que este grupo social supo, sin remordimientos, hacer suyos. 19 Romanticismo esquivo Paganini y Giuliani compartieron las encrucijadas del siglo XIX; por eso sus imágenes siguen estando atrapadas en la serenidad del salón burgués que pretendió reunir el conocimiento en una pequeña biblioteca doméstica, en la vida pública urbana cuyo núcleo era el teatro, pero a la vez en la añoranza por la desmesura de las mismas formas dispuestas en los entornos aristócratas-del antiguo régimen. De allí que las imágenes existentes - pero sobre todo las posibles­de estos músicos se sitúen en la vida del concierto público de asistencia multitudinaria, como también en el salón social compar­tiendo música con un pequeño y selecto grupo y, por supuesto, con alguna delicada dama. En las manos de Giuliani ya no estará el laúd con su caja de reso­nancia abombada sino la guitarra de seis cuerdas. Quedaron atrás los modelos pequeños de guitarras barrocas; el repertorio y el Digitalizado por la Biblioteca Luis Ángel Arango del Banco de la República, Colombia. 20 nuevo contexto musical exigían instrumentos más versátiles y mejor dotados, más eficaces para grandes recintos y con mayor potencia sonora para no quedar sepultados por la presencia orquestal. A su vez, los retratos no escapan a algunas de las reminiscencias más establecidas del músico decimonónico. Ala manera de Chopin, sus debilidades apenas se adivinan, su tez no puede verse realmente. Por eso, si tuviéramos un daguerrotipo seguramente nos encontra­ríamos con otra imagen quizás más verdadera de su apariencia, pero tal vez de efeoto desconcertante si la comparamos con los retratos pintados, más alimentados por los anhelos que por la realidad. La personalidad de Giuliani y de Paganini apenas se descubre en ellos; lo que sí queda bien nítido son los deseos por reflejar la capacidad y personalidad artística de los músicos. En Giuliani esta capacidad quedó sobriamente dispuesta, mientras que en Paganini se expandió en sinnúmero de gestos caricaturescos inspirados en su presencia y en los efectos que ellos producían en su público. Sirvan un par de referencias sobre la participación de Giuliani como contrabajista en el estreno de la Séptima Sinfonía, de Beethoven, para señalar que ni el contrabajo ni la ópera lo disuadieron de su inclinación por la guitarra. Aquí el guitarrista hizo lo mismo que otros españoles y franceses: antes de sacrificar su terco interés, Sor, Carcassi, Carulli, Aguado y el propio Giuliani, decidieron viajar a Viena o a París, en donde tuvieron mejores horizontes. Dieron conciertos, escribieron música, ofrecieron clases y hasta imprimieron varias de sus obras. Giuliani compuso conciertos para guitarra, algo casi impensable en la época, mientras Paganini cosechaba éxitos, uno detrás del otro, deslumbrando con su manera de tocar el violín. Y muy seguramente Paganini no compartió con Giuliani el sentimiento de opresión que puede desprenderse de la dificil convicción de ennoblecer la guitarra, de elevar el instrumento a la altura de otros instrumentos para despojarla de su connotación popular. Con los conciertos para guitarra solista y orquesta, Giuliani quiso hacer lo que Paganini Digitalizado por la Biblioteca Luis Ángel Arango del Banco de la República, Colombia. hacía con su violín. Pero si echamos un vistazo a sus obras, en ellas encontraremos también las miniaturas muy apreciadas por su sutileza, síntesis y grados de elaboración. En todo caso, hay que recordar que las aguas no siempre fueron tranquilas para los guitarristas decimonónicos; más de una corriente les hizo esquiva una posición firme en algún capítulo del romanticismo musical europeo. Homenajes Bien sabemos cómo abundan los retratos con aire escultórico en la literatura biográfica de los músicos famosos. Parece que con ellos se quisiera endurecer la humanidad del personaje, como si de eso se tratase la inmortalidad. ¿