Los Mellizos Katona, dúo de guitarras (Alemania)

Concierto interpretado por Los Mellizos Katona (Peter y Zoltan). A los 10 años iniciaron en Budapest estudios formales de guitarra individualmente y como dúo; más tarde continuaron su fmmación en la Royal Academy of Music de Londres, y en esta ciudad también tuvieron la oportunidad de tomar clases con Julian Bream y John Williams. Ganadores de numerosos concursos, en 1998 obtuvieron el Concert Artists Guild de Nueva York, que proyectó su carrera en los Estados Unidos y les aseguró frecuentes giras por el país, así como su debut en el Camegie Hall. En este concierto el Dúo interpretó obras de Antonio Vivaldi, Wolfgang Amadeus Mozart, Isaac Albéniz, Gioacchino Rossini, Derek Charke, Paco De Lucia, Domenico Scarlatti y Astor Piazzolla.4 de octubre al 1° de novÚ.'tnbrl' dl' 1007 Bo<;OIA- 1\lrouii" C"''- BAHRA,.,.QUILIA :viA'dt.Aus IL'-1~ .. UNIVf:JJSIDAD EAFfT Digitalizado por la Biblioteca Luis Ángel Arango del Banco de la República, Colombia. Segunda semana de la guitarra Banco de la República Actividades que se llevarán a cabo en Bogotá Conciertos: Domingo 7 de octubre - 11 :00 a.m. Dúo Brasilero (Brasi 1) Miércoles 17 de octubre- 7:30 p.m. Pavel Steidl (República Checa) Domingo 21 de octubre - 11 :00 a.m. Ricardo Cobo (Colombia) Miércoles 31 de octubre- 7:30 p.m. Los mellizos Katona (Hungría) Clases magistrales: Sábado 6 de octubre - 1 0:00 a.m. a 1 :00 p.m. Dúo Brasilero (Brasil) Sala de Audiovisuales de la Biblioteca Luis Ángel Arango Jueves 18 de octubre - 10:00 a.m. a l :00 p.m. Pavel Steidl (República Checa) Auditorio del Museo de Arte del Banco de la República Sábado 20 de octubre- 3:00 a 6:00p.m. Ricardo Cobo (Colombia) Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Mattes 23 de octubre - 3:00 a 6:00 p.m. Los mellizos Katona (Hungria) Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Exposición: Entre el JI de octubre y el 2 de noviembre estará abierta al público, en el foyer de la Sala de Concie1tos, una interesante exposición de guitarras de diferentes épocas, construidas por el maestro Alberto Paredes. ~ BANCO DE LA REPÚBLICA BIBL I OJ'FCA LU I S ÁNGE l A RANGO Digitalizado por la Biblioteca Luis Ángel Arango del Banco de la República, Colombia. Introducción Jaime Cortés Son excepcionales las prácticas musicales y los valores emblemáticos que la guitarra ha encarnado en los últimos dos siglos. Sin su presencia es dificil imaginar las representaciones musicales de los nacionalismos iberoamericanos, las expresiones populares extendidas a través de los medios masivos de difusión, y las manifestaciones tradicionales y campesinas de nuestro continente arraigadas en dinámicas culturales que a menudo se fundamentan en la transmi­sión oral. En muchos casos se trata de músicas con orígenes comunes y desarrollos paralelos, que confluyen en lo que hoy en día conocemos ampliamente como la guitarra moderna, un instrumento de seis cuerdas generalmente con la afinación Mi, La, Re, Sol, Si y Mi y un cuerpo más grande del de sus predecesoras, las guitarras barrocas de cinco órdenes. 2 Las primeras menciones a las guitarras de seis cuerdas provienen de la segunda mitad del siglo XVIII. Los protagonistas en este desarrollo fueron músicos franceses, italianos y españoles. Un ejemplo de la transición entre los modelos de guitarra barroca y la subsi­guiente guitarra de seis órdenes simples puede verse en los libros de Giacomo Merche, un músico italiano radicado en la capital fran­cesa. Mientras en su Le guide des écoliers de guitarre, publicada hacia 1761, todas las referencias estaban dirigidas al instrumento de cinco órdenes de doble cuerda, en el Traité des agréments de la musique exécutés sur le guitarre, publicado en 1777, reco­mienda el uso de la guitarra de seis cuerdas. Los argumentos de Merche eran sencillos: mayor claridad en la pulsación, una afinación más fácil y precisa, y un sonido más amable y cercano al de un arpa. La sustitución de un modelo por otro fue un proceso lento que tam­bién tuvo una relación directa con los sistemas de escritura musical. Si las connotaciones populares del instrumento favorecieron la tablatura, el interés por escribir obras elaboradas, muchas de ellas Digitalizado por la Biblioteca Luis Ángel Arango del Banco de la República, Colombia. con conducción de diversas voces, obligó fmalmente a utilizar una notación mensura! en un solo pentagrama, convención que aún se conserva. Este cambio reflejó, al menos parcialmente, el paso de una interpretación que privilegiaba el rasgueo en una sucesión de acordes a una interpretación en la que se hacía necesario el punteo y el uso de acordes arpegiados. Parte de esta transformación puede documentarse en el repertorio vocal. La guitarra comenzó a utili­zarse como instrumento que podía hacer bordones y ornamentos a la melodía de la voz, apoyos en los registros bajos y acordes arpegiados tal como se hacía en los instrumentos de teclado. En consecuencia, las nuevas características de la interpretación igual­mente requerían una escritura más "literal" respecto a aquello que estaba sucediendo musicalmente. Lo que había sucedido en el medio francés también encontró ecos en Italia y España. En 1799 Federico Moretti, un músico napolitano al servicio de la corte española, publicó Principios para tocar la guitarra de seis órdenes, y apenas nueve años antes el español Antonio Ballesteros había dado a conocer su Obra para guitarra 3 de seis órdenes. La influencia de Ballesteros, y especialmente la de Moretti con el uso de una cuidadosa escritura en la que diferenciaba la conducción de voces, fue adoptada por dos célebres guitarristas españoles cuya trayectoria se dio principalmente fuera de la península: Fernando Sor (1778-1839) y Dionysio Aguado (1784-1849). Otros nombres asociados al desarrollo de la interpretación y del repettorio guitanístico de la primera mitag de siglo XIX fueron Matteo Carcassi (1792-1853), Ferdinando Carulli (1770-1841) y Mauro Giuliani (1781-1829). Cada uno no solamente cumplió con realizar aportes en la composición de obras para el instrumento, sino que contribuyó a difundir su práctica a través de giras y recitales en ciudades europeas, y además a darle un nuevo estatus a la presencia del instrumento en conciertos públicos dentro del horizon.te del virtuosismo decimonónico, tal y como sucedía especialmente con el piano y el violín. Digitalizado por la Biblioteca Luis Ángel Arango del Banco de la República, Colombia. Pero si el antiguo régimen dio el impulso para que la guitarra adoptara valores apreciados musical y culturalmente, la civilidad burguesa abrió el camino. para que se convirtiera en un instrumento de amplísimo uso. La facilidad de su ejecución para lograr un acompañamiento básico de tipo armónico fue un elemento esencial para llegar a ser uno de los instrumentos preferidos por los músicos aficionados. Además de las piezas fáciles publicadas por los guitarristas para músicos versados en la escritura musical, la cultura musical oral conquistó el repertorio guitarrístico de canciones y piezas de baile para el medio doméstico tanto de las clases proletarias como de las clases medias. Entre tanto, los modelos de guitarras de seis cuerdas tuvieron un cambio profundo. Ya no se utilizó un sistema de clavijas de madera sino un mecanismo de metal; los trastes fueron elaborados en marfil, luego en ébano y finalmente en metal; la boca perdió el diseño calado de las rosetas barrocas por una boca abierta; el puente se levantó y la tapa se estabilizó en forma plana. Pero tal vez las variaciones más 4 profundas y definitivas se dieron en la segunda mitad del siglo XIX. N o en vano se mencionan una y otra vez los prototipos de Antonio de Torres Jurado ( 1817 -1892), quien aumentó el tamaño del instrumento hasta llegar a las dimensiones que conocemos como estándares, dio mayor distancia a la longitud vibrante de las cuerdas e introdujo un diseño de puente más eficaz para soportar la tensión. Eran guitarras con mejores y más potentes recursos sonoros que, explorados por los intérpretes, permitieron finalmente darle un valor de instrumento académico que podía ser usado al lado de un conjunto de cámara, e incluso como solista en una orquesta sinfónica. Aparecieron en el escenario nombres como Francisco Tárrega ( 1852-1909), Emilio Pujol Vilarubí ( 1886-1980), Miguel Llobet (1878-1938), Andrés Segovia (1893-1987) e Ida Presti (1924- 1967), entre tantos otros. Fueron ellos quienes, en la búsqueda de repertorio, realizaron transcripciones y adaptaciones de obras originalmente escritas para otros instrumentos, y además motivaron la composición de nuevas piezas específicamente para la guitarra. De allí que aún actualmente nos encontramos con programas de Digitalizado por la Biblioteca Luis Ángel Arango del Banco de la República, Colombia. concierto cuyos ingredientes se derivan, en muchas ocasiones, de algunos recitales guitarrísticos del siglo XIX: obras originales para guitarra en las que se destacan giros técnicos orientados a lo virtuosístico, transcripciones y adaptaciones de obras barrocas e incluso renacentistas concebidas para instrumentos antecesores a la guitaiTa, arreglos y variaciones realizados sobre obras famosas como trozos de óperas o incluso de obras instrumentales, piezas que comulgan con los ímpetus de los nacionalismos y también elaboraciones eruditas sobre expresiones populares. En el mismo proceso no podrá olvidarse la guitarra en la música popular. ¿Qué decir del flamenco, la bossa nova, la zamba, las rancheras, el bolero y tantos otros géneros de indiscutible vigencia y tradición? Son expresiones de profundo aiTaigo regional cuya popularización ha estado ligada a las conquistas tecnológicas y sus efectos en la masificación cultural del siglo XX. En este campo las variantes son múltiples, y las pretendidas divisiones entre expresiones puramente populares y otras académicas quedan opacadas por la realidad que escuchamos. Nos enfrentamos a los debates bizantinos 5 sobre si exist~ técnica en la guitarra flamenca o no, si el acompaña-miento guitarrístico que dio vida a la bossa nova gracias a Gilberto Gil es fruto de la simplicidad de lo popular, o si el tango de Piazzolla es auténtico o no. Las respuestas son triviales a la hora de swner-girse en la experiencia musical. Más allá de la especulación, no deja de sorprendernos la diversidad del repertorio guitaiTístico, las variantes en las técnicas empleadas para su interpretación, y los diversos tipos de instrumentos cuidadosament~ construidos por miles de luthiers que satisfacen pedidos desperdigados en la globalidad del mercado musical. La guitaiTa hoy nos sigue acompañando en una celebración desparpajada, en las salas de concierto bajo la atmósfera creada por las convenciones de un recital, o en la intimi-dad de cualquier recinto privado mientras exploramos individual-mente su sonido. Difícilmente podremos encontrar otro (nstru:t:I}ento con el carácter casi omnipresente de la guitarra en la cultura musical de nuestro tiempo. Digitalizado por la Biblioteca Luis Ángel Arango del Banco de la República, Colombia. LOS MELLIZOS KATONA (Peter y Zoltan) Dúo de guitarras (Hungría) "Peter y Zoltan Katona le hacen a usted pensar que está viendo 36 'doble', y su sonido juega el mismo truco en el oído; tal es la perfección del ensamble que el dúo suena como si fuera una sola persona la que toca. Punteaban, rasgaban, golpeaban, acariciaban, rasguñaban y palmeaban, probando la versatilidad de sus instrumentos y haciendo sentir todo ello como un juego de niños ... Un concierto emocionante y conmovedor" (The Times, Londres) A los 1 O años iniciaron en Budapest estudios formales de guitarra individualmente y como dúo; más tarde continuaron su fmmación en la Royal Academy ofMusic de Londres, y en esta ciudad también tuvieron la oportunidad de tomar clases con Julian Bream y John Williams. Ganadores de numerosos concursos, en 1998 obtuvieron el Concert Artists Guild de Nueva York, que proyectó su can·era en los Estados Unidos y les aseguró frecuentes giras por el país, así como su debut en el Camegie Hall. Digitalizado por la Biblioteca Luis Ángel Arango del Banco de la República, Colombia. En 1997 les fue otorgado el Young Concert Artists Trust de Londres, que les significó la representación de esta entidad en el mundo. En el mismo año fueron seleccionados en las audiciones del grupo Park Lane en Londres. Previamente habían sido merecedores del premio S. T. Johnson Foundation (1995) y el LauraAshley en 1996. En 1993 obtuvieron el primer premio en el concurso de Montelimar (Francia) -el más importante para dúos de guitana-, el primer premio en el Concurso Internacional de Bubenreuth (Alemania) y el Premio Cultural de la Ciudad de Kassel (Alemania). Los mellizos Katona se han presentado en salas tan prestigiosas como el Camegie Hall de Nueva York, el Purcell Room del Royal Festival Hall y el Wigmore Hall de Londres, el Bridgewater Hall de Mánchester, la Al te Oper de Frankfurt, la sala de la Filarmónica de Colonia, el Concertgebouw de Ámsterdam, la Konzetthaus de Viena y el Suntory Hall de Tokio. También han tocado en el Auditorio Alfredo Kraus de Las Palmas (España) y en la Ciudad Prohibida de Beijing; así mismo, son invitados por importantes festivales de guitana como el de Canarias y Córdoba (España), entre muchos 37 otros. El amplio repertorio del dúo va desde Scarlatti a Piazzolla. Sus programas también incluyen conciertos con orquesta como los de Rodrigo, Vivaldi y Tedesco. Compositores como Michael Berkeley, JudithBingham y Carlos Sánchez-Gutiénez le han escrito y dedica­do obras. Los mellizos Katona son requeridos con fi"ecuencia para grabaciones de la BBC y otras cadenas internacionales de radio y televisión. Sus CD, producidos por el sello Channel Classics, inclu­yen música de Scarlatti y Handel, Bach, Vivaldi, Mozart, Rodrigo, Albéniz, Piazzolla, Granados y Falla, etc. Digitalizado por la Biblioteca Luis Ángel Arango del Banco de la República, Colombia. Comentarios: "Los mellizos Ka tona comparten no sólo una técnica virtuosística asoHil:lrosa-sino unos extraños poderes de acoplamiento. Idén6cos tanto en su aspecto como en su estilo interpretativo y sus exquisitas maneras sobre el escenario, Peter y Zoltan saben cómo dar un buen espectáculo" The Times 1 Bridgewater Hall, Mánchester "Desde que conocí a lOs hermanos Assad no me había impresionado tanto un dúo de guitarras. Estos hermanos gemelos húngaros tienen todo lo que uno podría desear. Olvídense de las guitarras, compren el disco simplemente por el placer musical que ofrece ... ¡y dense prisa!" Gramophone Magazine, CD Scarlatti- Handel "Los jóvenes gemelos húngaros dieron un espectáculo diferente y técnicamente deslumbrante ... Su destreza y facilidad, incluso en 3 8 pasajes técnicamente arduos, se reveló inmediatamente y se destacó de un modo especial en la tarantela final, llena de gracia y fluidez. Esa maeshia musical también se manifestó durante todo el concierto, con una coordinación impecable tanto en dinámica como en fraseo .... Cualquiera que disfrute con la guitarra clásica e incluso aquel a quien este instrumento deje indiferente, debería darse prisa para ver y escuchar a los Katona. Son extraordinarios." The Savannah Morning News "La actuación de los mellizos Katona fue absolutamente impresionante ... una interpretación extremadamente delicada, rica y sensible de todas las obras del programa. Estos jóvenes músicos llevaron al público a lo máximo ... tocaron y sintieron la música con una unión perfecta .. .. " München Merkur Digitalizado por la Biblioteca Luis Ángel Arango del Banco de la República, Colombia. PROGRAMA Trío en Sol menor R V85*: Andante molto Larghetto A !legro Obertura de La Clemencia de Tito* De la Suite Iberia*: Evocación El Puerto Tria na ANTONIO VIVALDI (1678-1741) WOLFGANG AMADEUS MOZART (1756-1791) ISAAC ALBÉNIZ (1860-1909) Obertura de la ópera E/isabetta, reina de Inglaterra* GIOACCHINO ROSSINI ( 1 792- l 868) INTERMEDIO Times Passing Breath Estreno absoluto Cepa Andaluza* Sonata en Do menor, K 481* Sonata en Re menor, K 141 * Otoño Porteño *Arreglos: Los mellizos Katona DEREK CHARKE (1974) PACO DE LUCIA (1947) DOMENICO SCARLATTI (1685-1757) DOMENICO SCARLATTJ ASTOR PIAZZOLLA (1921-1992) CONCIERTO No. 75 39 Digitalizado por la Biblioteca Luis Ángel Arango del Banco de la República, Colombia. 40 Notas al programa Jaime Cortés ¿U e Vivaldi a Piazzolla? Es evidente la distancia que hay entre un trío del barroco y un tango del siglo XX. Pero a pesar de esa línea cronológica, aparentemente muy conservadora en este concierto, podrá advertirse algo distinto con los títulos abrazados por un trío bruToco y un tango. En primer lugar, no es una simple serie; hay entradas y salidas en ella. Comen­zamos con un sugerente inicio en el que aparecen las progresiones, secuencias y ritmos insistentes de Vivaldi, para luego pasar a una obertura que pretende sintetizar lo más notable de una ópera del clasicismo en manos de Mozart. Siguen célebres melodías repre­sentativas del nacionalismo español con Albéniz, y se rompe la línea con una vuelta -corta pero al fin y al cabo vuelta- a la ópera rossiniana. El hilo continúa con Charke, un compositor de nuestro tiempo; Cepa Andaluza, una pieza de guitarra flamenca; dos sonatas de Scarlatti, es decir, un retomo al barroco y finalmente un "tango nuevo" del celebrado Astor Piazzolla. ¿Qué hay de común en todo ello? La respuesta parece obvia: el hecho de que justamente el repertorio reunido sea interpretado por un dúo de guitarras, que los instrumentistas sean los autores de los arreglos y, además, que los arreglistas e intérpretes sean Los mellizos Katona. Es allí en donde se encuentra el sentido a un programa como el de hoy pues en su mayoría son piezas compuestas para otros instrumentos, pero todas encuentran finalmente las trazas de un lenguaje idiomático propio para dos guitarras. La compenetra­ción de los músicos a la manera de un solo instrumento, como si fuera una sola guitarra expandida en sus posibilidades, tal vez es lo más atrayente de su presentación. Esto solo es posible gracias a una gran afinidad musical que se desprende de una técnica interpretativa impecable, puesta de manifiesto en la sonoridad, los tipos de fraseos, los ataques, los adornos y el control de la dinámica, entre tantos otros elementos. Así, se materializa una obertura sin Digitalizado por la Biblioteca Luis Ángel Arango del Banco de la República, Colombia. desechar los efectos de la presencia orquestal, una obra para piano que paradójicamente se inspira en algunas manifestaciones musicales guitarristicas (Suiteiberia) y un tango para quinteto sin sacrificar la fuerza rítmica y sonora de la obra. Vale la pena destacar algunos aspectos del repertorio comprendido en su conjunto. Del barroco se incluyen tres obras: una sonata-trío escrita originalmente para violin, laúd y bajo continuo, y dos sonatas es.critas para clavecín. El arreglo de la sonata-trío de Vivaldi no traiciona la textura original. Las voces de los instrumentos solistas aparecen con igual importancia y, además, cada una juega un papel protagónico en algunas secciones de solos con el acompañamiento del bajo continuo. La disposición de ambas voces da equilibro a la obra, equilibrio que no podría abandonarse si pensamos en el personaje de la dedicatoria: el conde Johann Joseph Whitby, aficionado a tocar el laúd y gobernador de Bohemia para el mo­mento en que Vivaldi visitó las tierras centrales europeas. En todo caso es una obra curiosa que, al igual que las obras para laúd de Bach, fue esctita hacia 1730 en el pleno ocaso del instrumento. 41 Con los arreglos de las oberturas operáticas entramos en otro terreno. Al componer o hacer un arreglo sobre los temas y motivos más famosos de una ópera, se replica y expande el espíritu de uno de los espectáculos de mayor dimensión social en el siglo XIX. En su momento, legiones de músicos vivían tanto de las ventas de variaciones, fantasías y arreglos facilitados de óperas famosas destinadas al ámbito doméstico, con músicos amateurs, como de sus presentaciones en público en las que su liabilidad virtuosa se comprobaba con sus "comentarios musicales" sobre las secciones más cautivantes de un aria o un coro. Por eso, quienes hoy en día elaboran este tipo de obras reivindican una de las prácticas más habituales de la época. El elemento apreciado sigue siendo la capa­cidad para presentar o transformar los temas de manera virtt:o~a ~ imaginativa, o de "contar" musicalmente lo mismo con Ótra idénti­dad tímbrica, como en efecto sucede con las versiones de las oberturas operáticas de La clemencia de Tito de Mozart, y la Obertura para Elisabetta de Rossini. Ambas, como toda buena Digitalizado por la Biblioteca Luis Ángel Arango del Banco de la República, Colombia. 42 obertura, sintetizan pasajes destacados de estas óperas. La primera pertenece a la ópera seria mozartiana, compuesta para la corona­ción de Leopolodo Il de Austria como Rey de Bohemia en 1791; la s~gyn}ia es.de la óperaElisabetta, reina de Inglaterra, una de las menos conocidas de Rossini, obertura que también utilizó, con nueva orquestación, para El barbero de Sevilla, uno de sus más celebrados títulos. En este programa encontramos también las piezas españolas con indudable fuerza melódica y rítmica concebidas en el empuje nacio­nalista de finales del siglo XIX. La Suite Iberia, de Isaac Albéniz, fue escrita como pieza para piano. Está integrada por varias sec­ciones independientes, cada una asociada a un lugar de la geografia peninsular. Como virtuoso y pianista de personalidad cosmopolita, Albéniz alcanzó lo que tanto había respaldado ideológicamente Felipe Pedrell: abstraer elementos de música tradicional y crear nuevas obras representativas de la nacionalidad. A pesar de los sesgos que ello pueda representar - y que de hecho representó