Joaquín Achucarro, piano (España)

Concierto interpretado por Joaquín Achucarro. Nacido en Bilbao, a los 27 años decidió seguir su gran vocación: la música y el piano, a pesar de existir una fuerte tradición científica en su familia. Durante el año siguiente ganó los dos premios españoles más importantes, trasladándose más tarde a la famosa Academia Chigiana de Italia, donde le fue concedido el premio al mejor alumno de todas las disciplinas musicales y más tarde el título de Academico ad honorem de dicha Academia, título creado exclusivamente para él. En este concierto interpretó obras de Domenico Scarlatti, Johannes Brahms, Franz Liszt, Claude Debussy y Maurice Ravel.1ft .f ,. /'1 ... 1" •• 1 .1. ... JII"f\ • . 11 S E R I E INTERNACIONAL e I E E D E TEMPORADA ITA ACIO AL JOAQ UI N A e H u e A R R o BANCO DE LA REPUBLICA BIBLIOTECA LUIS-ANGEL ARANGO s Noviembre 25 de 1993 - 7:30 p.m. • Digitalizado por la Biblioteca Luis Ángel Arango del Banco de la República, Colombia. JOAQUIN ACHUCARRO Pianista - España Digitalizado por la Biblioteca Luis Ángel Arango del Banco de la República, Colombia. JOAQUIN ACHUCARRO Pianista - España Nacido en Bilbao, a los 17 años decidió seguir su gran vocación, la música y el piano, a pesar de existir una fuerte tradición científica en su familia. Durante el año siguiente ganó los dos premios españoles más importantes, trasladándose más tarde a la famosa Academia Chigiana de Italia, donde le fue concedido el premio al mejor alumno de todas las disciplinas musicales y más tarde el título de accademico ad honorem, título creado exclusivamente para él. En un corto tiempo ganó el Premio Gountat Biron de Paris, la Medalla de Oro del Concurso Internacional de Ginebra y el Primer Premio Viotti de Italia, pero no considerándose suficientemente preparado continuó sus estudios en Alemania y Austria. Su triunfo en el Concurso Internacional de Uverpool en 1958, que en la edición antenor y en la modalidad de director había sido ganado por Zubin Metha, le llevó a debutar en Londres con la London Symphony Orchestra; consiguió por ello la Medalla Harriet Cohen al mejor Debut del Año y contratos con todas las orquestas de Gran Bretaña. Empezaba así una carrera internacional por 53 paises que le ha llevado a actuar en recitales, con 152 orquestas diferentes y con 265 directores entre los cuales figuran Abbado, Ozawa. Frühbeck, Metha, Weller, López Cobos, Pritchard, Boult, Mata, Aattle, Chailly y de Waart. Achúcarro actúa también como solista director, lo que le ha servido para crear fuertes lazos de amistad con varias orquestas de cámara británicas, italianas y españolas. Así mismo, imparte clases magistrales y seminarios en centros europeos y universidades norteamericanas. Desde el año antepasado ha recorrido Estados Unidos, Gran Bretaña, Irlanda, Australia, Japón, Italia, Alemania, Francia, Bélgica, Hungría, Grecia, Portugal, Colombia, México y España. Ha actuado con las orquestas New York Philarmo­nic, Cincinnati Symphony, Phoenix Symphony, Florida Philarmonic, Fort Worth Symphony, Mississippi Symphony, Buffalo Philarmonic, Ohio Philarmonic, Berlín Philarmonic, Hamburg Symphoniker, Wurttemberglshes Staatsorchester, Western Australian Symphony, Yomiuri of Tokio, English Chamber Orchestra, City of Birmingham Orchestra, Scottish Chamber Orchestra, Northern Chamber Orchestra, East Anglia Orchestra, Bournemouth Symphony Orchestra, RTE Digitalizado por la Biblioteca Luis Ángel Arango del Banco de la República, Colombia. Dublín, Orquesta Nacional de España, Angelicum de Milano, Orquesta Reina Sofía, de Bilbao, de Valencia, para mencionar unas pocas. Igualmente ha actuado en recitales en Londres, Washington (Kennedy Center), París, Bruselas, Madrid, Venecia, Boston, Dalias, Houston, Lisboa, Budapest, Bogotá, etc. Desde 1989 Y por deseo unánime de los catedráticos de piano de la Southern Methodist University de Dalias (USA), Achúcarro desempeña la Cátedra Tate Endowed Chair, actividad que compagina con su carrera concertística. Durante el pasado año actuó como solista, interpretando el concierto de Grieg, en la gira que por los Estados Unidos realizó la Orquesta Nacional de España durante el mes de octubre. Fue galardonado con el Premio Nacional de Música de España y elegido para realizar el concierto de clausura de la Exposición Mundial Exposevilla/92. Digitalizado por la Biblioteca Luis Ángel Arango del Banco de la República, Colombia. PROGRAMA J DOS sonatas En La mayor, L. 135 En Sol menor, L. 499 } Variaciones sobre un tema de Schumann, Op. 9 (1853) J Dos nocturnos (1850) Hohe Liebe O lieb, so lang du lieben kannst v{unerales (1849) De Armonías poéticas y religiosas DOMENICO SCARLATTI (1685-1757) JOHANNES BRAHMS (1833-1897) FRANZ LlSZT (1811-1886) FRANZ LlSZT INTERMEDIO La isla alegre (1904) J Alborada del Gracioso (1905) ¡ Gaspar de la Nuit (1908) Ondina Le Gibet Scarbo CLAUDE DEBUSSY (1862-1918) MAURICE RAVEL (1875-1937) MAURICE RAVEL Santafé de Bogotá, D.C., 25 de noviembre de 1993 CONCIERTO No. y- 18 C; Digitalizado por la Biblioteca Luis Ángel Arango del Banco de la República, Colombia. NOTAS AL PROGRAMA Ellie Anne Duque Scarlatti La comunidad musical recuerda el nombre de María Bárbara de Braganza, reina de España, porque quedó permanentemente identificado con las sonatas escritas por su profesor de clavecín, Domenico Scarlatti, para su aprendizaje del instrumento. La vinculación de Domenico a la casa de los príncipes de Asturias se inició como músico de la corte de Joao V de Portugal, padre de María Bárbara, y luego de la corte de Fernando VI de España, su marido. Scarlatti escribió 13 volúmenes de sonatas para ser interpretadas por la reina y si a estos 13 volúmenes se le adicionan los dos anteriores de Essercizi, contamos con un total de casi 500 sonatas. La fama y permanencia de estas sonatas se debe no sólo a su estructura novedosa e influencia en la formación del estilo clásico, sino a la gracia y riqueza musical de cada una de ellas. Son piezas en un solo movimiento y de forma binaria: dos secciones, cada una de ellas repetida y con modulaciones predecibles al final de cada sección. Parten de los movimientos individuales de la suite barroca y terminan sentando las bases de la forma sonata tan indispen­sable al discurso musical de la segunda mitad del siglo XVIII. En las sonatas de Scarlatti hay de todo: fugas (como en el caso de la Sonata L. 499 que presenta una fuga a tres voces, conocida como la fuga del gato), pastorales, minuets, gavotas y Jigas, todas ellas revestidas de una técnica refinada y gran imagina­ción. En sus obras tardías Scarlatti nos ofrece un dominio asombroso de la armonía y sorprende con sus modulaciones audaces y coloridas. Muchas de sus obras evocan la calma nostálgica del Palacio Real en Aranjuez, el esplendor de la corte real, las bandas, los juegos artificiales y los arabescos de la música vocal andaluza enriquecida mediante las posibilidades técnicas del clavecin. Brahms Johannes Brahms se dio a conocer inicialmente al mundo musical como pianista concertista. A los 14 años empezó a realizar giras de conciertos y jamás abandonó su amor por el instrumento. Sus compOSiciones para el piano abarcan una amplia gama del repertorio del pasado siglo XIX: sonatas, conciertos, variaCiones, piano a cuatro manos, danzas y piezas varias. En ellas figuran todos sus pensamientos musicales: la obsesión por las formas clásicas y también su inspiración original, profundamente expresiva y romántica. Digitalizado por la Biblioteca Luis Ángel Arango del Banco de la República, Colombia. Las 16 variaciones de Brahms sobre un tema de Schumann son obras de juventud en donde la figura de Robert Schumann predomina no sólo en el tema central, sino en el ambiente de cada una de las variaciones. La variación como forma ha sido de gran importancia desde el siglo XV: sobre un tema dado (tomado del repertorio popular, original de quien hace las variaciones o perteneciente al repertorio operático conocido) el compositor ejecuta una serie de variantes que tienen por objetivo demostrar su imaginación y técnica. A comienzos del siglo XIX se había convertido en un procedimiento un tanto desvirtuado, con excesos de malabarismos técnicos y un contenido musical vacuo y meramente decorativo. Gracias a Beethoven la variación romántica se convirtió en un ejercicio musical profundo y pensativo. En sus diversos ensayos con esta antigua forma, Brahms parte de los modelos beethovenianos y no tiene inconveniente en aplicar viejas reglas del contrapunto en sus elaboraciones. En su homenaje a Schumann (quien recientemente había intentado suicidarse) Brahms escogió para las variaciones una pieza en Fa sostenido menor, de su amigo y mentor, perteneciente al ciclo de Hojas variadas (Bunten B/atter) Op. 99 para piano, de 1841. También se escuchan apartes del Op. 5, /mpromptus sobre un tema de Clara Wieek. Dicho tema figura en la segunda y en la décima variación. El ambiente romántico de la época de Schumann se respira a lo largo de toda la pieza. Brahms inclusive imita el estilo de su antecesor cuando en las variaciones 12 y 14 retoma la energía rítmica tan propia de su obra. En la décima variación, el tema pasa al bajo y Brahms introduce el contrapunto, mediante un canon, como parte integral de su estilo. Liszt El nocturno no fue uno de los géneros románticos practicado sistemáticamente por Liszt. Podríamos asegurar que al evitarlo reconocía la indiscutible autoridad de Chopin en el campo de los nocturnos para piano. Empleó la descripción de nocturno a manera de subtítulo para dos obras originales para el piano, con temas de la noche: Sin dormir, pregunta y respuesta y En sueño. En 1850 realizó tres transcripciones para el piano de canciones suyas que habían tenido éXito en años anteriores y las agrupó bajo el título de Liebestraume, Sueños de amor, con el subtítulo de Nocturnos. El primero de ellos O /ieb so lang du lieben kannst (Ama mientras puedas) apareció en su forma vocal en 1847, inspirado en un poema de Freiligrath y se le conoce como el Sueño de amor. El segundo corresponde a la transcripción de Hohe Liebe (Gran amor) sobre un poema de Ludwig Uhland y apareció en 1849. También de 1849 y con textos de Uhland es el tercero de los Nocturnos Gestorben war ieh (Estaba muerto). Con estas tres Digitalizado por la Biblioteca Luis Ángel Arango del Banco de la República, Colombia. obras, Liszt logra la elaboración de su estilo más lírico y ensoñador. El espectro armónico alcanza riquezas insospechadas, enmarcadas dentro de la libertad expresiva de cad enzas en recitativo que imitan la comunicación poética original. La paráfrasis pianística fue para Liszt una actividad permanente a lo largo de su vida. A través del ejercicio de convertir partituras sinfónicas, operáticas, vocales, etc. en piezas para piano cumplía con dos objetivos: el conocimiento de la obra, de sus antecesores y la divulgación de la misma a través del instrumento más común y popular del siglo XIX, el piano. No sólo transcribió obras de otros compositores, sino que reelaboró las propias, como en el caso de los Tres Nocturnos de 1850. Debussy Una de las composiciones para el piano más extrovertidas de Debussy es L 'IsIe Joyeuse (La isla alegre), una pieza de colorido orquestal, con innumerables referencias al estilo de Liszt. En 1904, año de su composición, Debussy la remitió a su editor, Durand, con la siguiente anotación: "Diosl es difícil de ejecutar; esta pieza reúne todas las formas de atacar un piano, ya que aúna fuerza y gracia, si es que me atrevo a decirlo ... " Aparentemente, para su composición Debussy se inspiró en un lienzo de atmósfera alegre, animada y sensual. Fue estrenada por Ricardo Viñes un año después de su composición. Bernardino Molinari realizó su versión orquestal. Es una pieza concebida en una forma sonata muy suelta, con una breve introducción de seis compases en el estilo libre de una cadenza, elemento que recurre y sirve de factor organizante a lo largo de toda la obra. Se presentan luego temas contrastantes, sección de desarrollo y todas las partes reglamenta­rias de su molde formal. Lo más llamatiVo de todos estos pasajes es la estructura tonal novedosa acoplada a una gran variedad de exigencias en la interpretación: ligereza. precisión, elegancia, claridad y el uso sobrio del pedal. Se impone en muchos compases el empleo de la escala por tonos enteros para develar así nuevas posibilidades armónicas. Este retrato de alegría ofrece crescendi vociferantes, fanfarrias con temas exultantes de espíritu exuberante. Ravel La alborada del gracioso es la cuarta de un conjunto de cinco obras que integran los Espejos (Miroirs) para piano. Para muchos representa el ideal sonoro del Digitalizado por la Biblioteca Luis Ángel Arango del Banco de la República, Colombia. simbolismo, esa corriente poética que, según Mallarmé, era el arte de evocar un objeto poco a poco para revelar su estado de ánimo. Ravel estaba profundamen­te conmovido por una nueva teoría de Debussy, según la cual la pieza musical debería tener una forma tan libre que al ejecutarla pareciera tomada de un libro de bosquejos. Todos estos ingredientes se hicieron palpables en Espejos, cinco secuencias de sueños con una narrativa interrumpida, casi cinematográfica. La Alborada fue la primera pieza publicada por Ravel con un título en español. En sí, alborada es una canción que se entona al amanecer para despertar a los amantes y anunciarles la llegada de un nuevo día. Un gracioso interpreta una alborada con pasajes de cante jondo; sus intentos son interrumpidos por gestos musicales que señalan el embeleso amoroso del momento. La lucha entre el amor y el gracioso que interrumpe se intensifica a medida que avanza la obra. Cuando se escucha su final explosivo, asumimos que la alborada logró su propósito. Gaspar de la noche es todo un ejercicio de poesía simbólica. Cada una de sus tres secciones viene precedida por un epígrafe (de Brugnot en Ondine, de Goethe en Le Gibet (El patíbulo) y de Hoffman para Scarbo) y un poema de Aloysius Bertrand (1804-1841); muy de acuerdo con el interés de los poetas simbolistas por los ritos satánicos, el nombre de este conjunto de piezas corresponde a uno de tantos con los cuales se menciona al Demonio. Se inicia con un pasaje marino maravilloso cuyas figuras principales son ninfas acuáticas que seducen marineros y pescadores para llevarlos a sus palacios cristalinos en el fondo del lecho marino. En Le Gibet (El Patíbulo) todo es desolación. La atmósfera tétrica del sitio es recreada mediante armonías fantasmales (todo el tiempo se utiliza el pedal una corda) mientras que una campana redobla sin cesar. Scarbo, el gnomo fantasmal que habita la noche se apodera del piano con un brío que prácticamente supera el Mefistófeles de Liszt. Intencionalmente Ravel decide inspirarle terror al pianista y al oyente. En su momento logró escribir una de las piezas más difíciles del repertorio pianístico conocido. Digitalizado por la Biblioteca Luis Ángel Arango del Banco de la República, Colombia. B • CODELAK ,-,_LICA 1lAl'tC,.U D lA ou:.o", ........ "" D_nam "'o Eo.tO(Ia' Digitalizado por la Biblioteca Luis Ángel Arango del Banco de la República, Colombia