Tendances et spécificités de la musique dans le cinéma de la Nouvelle Vague ou les constructions historiographiques de l'innovation en musique de film

Depuis la première partition pour ensemble instrumental écrite spécifiquement pour un film, L’Assassinat du duc de Guise de Camille Saint-Saëns en 1908, le cinéma a demandé aux plus grands compositeurs de participer à cette union moderne de l’image et du son, héritière de l’« art total » wagnérien. Mais ces musiques « savantes » ne sauraient résumer à elles seules la prodigieuse diversité de la musique au cinéma qui a intégré, au fur et à mesure de son histoire, les chansons à la mode, les improvisations de jazz, les « musiques du monde » ou les musiques électroniques ; aucun style musical n’a été écarté – y compris les techniques les plus radicales de la musique contemporaine – pourvu que son rapport à l’image ait été pertinent et fécond. Cette ouverture caractérise tout particulièrement la conception de la musique de film en France qui, pendant près d’un siècle, a permis aux réalisateurs et aux compositeurs d’affirmer leur personnalité artistique en interrogeant et en renouvelant sans cesse les interactions entre l’image, la narration et la musique. Par-delà le foisonnement des styles et la diversité des postures créatrices, ce livre tente de dégager les courants, les spécificités et les évolutions qui ont parcouru la pratique de la « musique française » de film.International audienceBien que la Nouvelle Vague soit un objet largement produit par le discours critique, il est possible de relever de nombreuses interactions entre les innovations techniques de l'industrie cinématographique et l'esthétique musicale des films français du début des années soixante, ce qui permet de valider le point de vue des chercheurs qui reconnaissent en la Nouvelle Vague une « école artistique ». Cette école a t-elle, pour autant, été à l'origine d'un renouveau musical du cinéma français ? Cette recherche traite des nouveaux usages de la musique adoptés dans le cinéma français, entre 1957 et 1965, par les cinéastes appartenant à la "Nouvelle Vague". Nous nous centrons principalement sur l'historiographie de la période et sur les principaux éléments d’innovation sonore qui furent retenus au titre de l'histoire esthétique du cinéma et des techniques. Trois angles d’approche ont été combinés, lesquels correspondent à trois tendances relevées dans la production cinématographique de l’époque : l’esthétique et en particulier l’usage du symbolisme des couleurs et des timbres ; la forme musicale et les usages qui furent faits de l’atonalité et de l’a-thématisme issus de la musique contemporaine et du jazz ; enfin le montage et la relation spécifique qu’entretiennent image et musique chez certains cinéastes de la Nouvelle Vague comme Jean-Luc Godard et Eric Rohmer. La question de l’innovation artistique propre aux tendances musicales qui émergent à l'époque de la Nouvelle Vague dans les cinématographies occidentales est posée dans ce chapitre au regard des transferts culturels entre Europe et Hollywood. Ces échanges conduisent les cinéastes de la Nouvelle Vague à développer des procédés musicaux découverts durant les années cinquante dans le cinéma américain (Chabrol, Godard, Moullet), français (Truffaut, Demy), Italien ou allemand (Resnais), avant que les cinéastes américains du « nouvel Hollywood » (Coppola, Hopper, Lumet, Cimino, Scorsese…) ne s’inspirent à leur tour, dans les années soixante-dix, de ce qu’en avaient fait dix ans auparavant le cinéma de la Nouvelle Vague en référence au cinéma américain..